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quarta-feira, 14 de maio de 2014
segunda-feira, 28 de outubro de 2013
Por que o senhor atirou em mim?
A filosofia às vezes
me coloca umas perguntas que me deixam fora do ar. De tempos em
tempos, por exemplo, releio O mito de sísifo, de Albert
Camus, e fico paralisado com a pergunta: “será que a vida vale a
pena ser vivida?”. Passo dias apenas perambulando pela minha
própria rotina como um observador tentando entender o absurdo que é viver uma vida
finita.
Mas esse ano as
questões que realmente me tiraram o chão não tiveram nada de
filosóficas ou existenciais.
Um pedreiro chamado
Amarildo sumiu depois de uma abordagem da polícia. E eu perdi o sono
pensando: onde está Amarildo?
Nove pessoas foram
assassinadas pela polícia na Maré sem nenhum tipo de enfrentamento
ou julgamento. E eu perdi o sono pensando: e se fosse no Leblon?
Um funcionário da
Unifesp resolveu não aceitar um insulto de um grupo de policiais.
Assassinado na mesma noite por homens encapuzados (não me venha com
black blocks), eles me tiraram o sono com a pergunta: quem matou
Ricardo?
Hoje morreu um menino
chamado Douglas, da idade dos meus alunos, assassinado por um
policial. E não há nada que me tire desse estado de merda. Por que
se Deus me tirar isso, ele me tira o que resta da minha
humanidade. Hoje eu certamente não dormirei de novo, porque um
pedaço de mim morreu ali quando o moleque perguntou: por que o
senhor atirou em mim?
"Por que o senhor atirou
em mim?"
Amanhã eu vou dar
minhas aulas normalmente. Vou olhar meus alunos e pensar: podia ter
sido eu, podia ter sido um de vocês. Se a rotina, os prazos
e as cobranças permitirem, vamos ler a morte do leiteiro de Drummond
e ver a Clarice falando como morreu a cada bala levada pelo "bandido" mineirinho.
Vamos ficar deprimidos e depois rir de outra coisa qualquer, porque são lados da mesma
tentativa de humanização.
Mas no final do dia vai
continuar doendo, porque somos todos Douglas. Porque o dia que não
doer, nossa resposta a Camus talvez seja definitiva.
Pois é, me engano,
talvez sejam essas as perguntas mais existenciais.
"Por que o senhor atirou em
mim?"
quarta-feira, 14 de março de 2012
Como fazer perguntas?
Desde agosto do ano passado que não escrevo um post. Tenho me perguntado por que. O mesmo tempo em que tenho feito de muitas indagações sobre a vida, muitas perguntas, muitos por ques. Acho que estou fazendo as perguntas erradas. Algumas delas não me levam a nada. Outras ao imobilismo. Talvez por isso não tenha conseguido produzir nada.
Nesse tempo, li Diálogo e Conflito. O livro é um diálogo franco entre três educadores populares: Sérgio Guimarães, Moacir Gadotti e Paulo Freire. De leitura clara e dinâmica, o livro aborda o tema do diálogo. Conta um pouco da trajetória dos três “personagens” e se propõem a responder as perguntas de pessoas que passaram pelas diversas palestras, aulas e oficinas em que estiveram presentes Gadotti e Freire. Sérgio é o entrevistador, mas também está na conversa, ou melhor, no diálogo. Num momento do livro, Paulo se diz inferiorizado, frustado, pois Gadotti disse a ele uma vez que havia guardado todas as perguntas que fizeram para ele até hoje. Paulo disse que as deixava em cima da mesa. Se sentiu envergonhado e desrespeitoso. Resolveram então fazer a conversa, e o livro, para tentar trabalhar com essas perguntas guardadas por Gadotti. O livro parte dessas perguntas, mas não se colocam a respondê-las. Dizem que "no fundo, a própria maneira de fazer a pergunta já continha uma resposta." Como assim?
Essa afirmação ficou na minha cabeça e a todo momento tenho me dado conta disso. As perguntas que todos fazemos já trazem consigo a resposta prévia. Será? Creio que, principalmente nós, homens e mulheres da academia, da Universidade, não fomos educados para fazer perguntas. Aprendemos durante 4 anos (ou mais) a questionar, criticar, a desconstruir, se colocar, a constrager. Nunca aprendemos a verdadeiramente dialogar. O ponto não está na pergunta. Não é a mensagem mas quem a faz. As pessoas parecem que não sabem, e não querem, dialogar. Os questionamentos aparentam, em sua maioria, veleidades de poder. As criticas são o argumento da punição. Você está errado, ponto. Não se desconstrói para ir a outro lugar. É simplesmente desmoronar o cabra. A mensagem, aqui a pergunta, é ferramente de poder. Não faz dialogar, só mostra o caminho do qual se parte para te oprimir.
Isso porque penso que uma pergunta só é diálogo quando constrói. Quando leva tanto o emissor quanto ao receptor, por intermédio da mensagem (aula básica de comunicação – não passei disso!), a um diálogo que supera o momento anterior. Um pouco do que Paulo dizia, da denúncia e anúncio, da educação popular. Talvez em Marx, da tese, antítese e sintese. Não sei. Sei que a pergunta não deve ser estática, não deve imobilizar, não é para criticar, para desconstruir. Se pergunta para ir além, para saber, para superar as barreiras que emissor e receptor tem.
Talvez as perguntas nos levem a verdade. A verdade que cada um busca, que estamos buscando. As nossas verdades. Logicomix, outro livro que acabei de ler, conta um pouco da história de Bertrand Russel em busca da verdade. Russel foi um grande pensador que, por meio da matemática e filosofia, queria cegar aos limites da possibilidade da razão para, a partir da lógica, chegar a verdade. O livro é uma história em quadrinhos divertida. História e ficção se reúnem para nos contar o caminho tortuoso do nosso (anti-)herói em “busca da verdade”. Um pouco de história da matemática, dos seus fundamentos. Mas também um pouco da história das perguntas. E nos perguntamos, ele então conseguiu chegar na “verdade”? O que acham?
Sei que tudo isso tem me levado a concordar com meu amigo que escreveu um texto neste mesmo blog, a um tempo atrás: no fundo, as únicas perguntas realmente importantes são aquelas que podem ser formuladas por uma criança.
Vou alá! (do português voilá!)
Ps: agora me pergunto – quanto tempo mais vou levar para escrever um novo post? (nessa pergunta já estão incluídas as informações que fazia tempo que não escrevia, que há uma necessidade e uma cobrança em escrever um post, que vou necessariamente levar um tempo, etc, etc, blá-blá-blá....talvez essa não seja a pergunta certa. Essa me leva a um imobilismo. Alguém pode me ajudar?)
quarta-feira, 24 de novembro de 2010
Crianças Contemporâneas
(Aviso já: um texto um pouco mais longo e denso sobre arte contemporânea)
Esses dias, tive contato com uma palavra que me remeteu à sua beleza enquanto termo e fonema: "Hermético". Escutei-a em seu terceiro significado no dicionário Houaiss: "difícil de entender e/ou interpretar, obscuro, ininteligível". Dizia-se que a arte contemporânea, mais especificamente a dança contemporânea, seria "hermética", daí sua baixa popularidade e dificuldade em formar um público que venha de outro lugar que não da própria classe artística.
Algumas linhas pedagógicas afirmam que o brinquedo, do modo como o conhecemos, mais limita do que educa uma criança. Isso porque o brinquedo tem uma estrutura rígida com regras de como deve ser usado, muitas vezes estimulando o pensamento único e a repetição de movimentos. Um exemplo grotesco: nada mais se faz em um escorregador do que subir a escada e descer a rampa bundado, repetindo-se ciclicamente. Pouco se estimularia, em ambos casos, a imaginação e a sinestesia da qual a criança poderia provar. A proposta é que as escolas comecem a construir espaços semi-estruturados, com elementos que forneçam possibilidades, cuja brincadeira ou atividade seja norteada pela imaginação da própria criança, evitando que a criança seja condicionada a partir da estrutura em si. Ela mesmo criará suas regras e normas.
Me parece que esse tem sido o movimento na arte contemporânea hoje, ao trazer às exposições e espetáculos com tamanho grau de obscuridade. Espera-se que cada um que se depare com o trabalho tenha significado/experiência distintos, chamando isso de "ampliação da subjetividade do espectador".
O problema é que se esquece da praticidade que se tem em descer um escorregador. Além disso, para a criança, ela nunca está apenas descendo uma rampa, seria menosprezá-la. Rubem Alves disse alguma coisa no sentido de que deveríamos viver nossa vida com o espanto e a curiosidade de uma criança que encontra uma conchinha. O escorregador do clube, para mim, já foi ponte, tunel do tempo e até cachoeira.
Do mesmo modo, não acho que é o caso de culpar apenas o público pelo "baixo grau de instrução", "pouco contato com as artes" ou "falta de sensibilidade". Não, não é culpa do futebol. É simplesmente natural sentirmo-nos afugentados diante do novo, daquilo que nos foge do controle, do comum. Precisa-se sim, do lado do artista, pensar para quem e até quem chegará a arte que está fazendo. É possível uma arte provocativa, que consiga seduzir o público, mas que não caia no mero hermetismo, tampouco seja óbvia e que ainda obtenha a proeza de ser aclamada pela crítica? É. Acreditem, já brinquei em escorregadores que davam várias voltas, de diferentes formatos, velocidades, texturas, até com recursos tecnológicos. E a molecada adorava. Também já tive a oportuidade de conhecer diversos espetáculos, exposições, intervenções dos mais inovadores serem aplaudidos de pé por pessoas das mais tradicionais.
Entretanto, em alguns momentos, o que a suposta inovação tem provocado - tanto para o público da arte contemporênea como para as crianças exiladas de seus parquinhos - é o mesmo que alguns críticos fazem ao utilizarem o termo "hermético", ao invés de "obscuro": nada.
Muitas vezes, uma tela branca é apenas uma tela branca. Ou, como disse algum antropólogo, num contexto bem diferente, uma piscadela é apenas uma piscadela.
(PS: Espero não ter sido (tão) obscuro, quer dizer, hermético. E sim, sou leigo)
Esses dias, tive contato com uma palavra que me remeteu à sua beleza enquanto termo e fonema: "Hermético". Escutei-a em seu terceiro significado no dicionário Houaiss: "difícil de entender e/ou interpretar, obscuro, ininteligível". Dizia-se que a arte contemporânea, mais especificamente a dança contemporânea, seria "hermética", daí sua baixa popularidade e dificuldade em formar um público que venha de outro lugar que não da própria classe artística.
Algumas linhas pedagógicas afirmam que o brinquedo, do modo como o conhecemos, mais limita do que educa uma criança. Isso porque o brinquedo tem uma estrutura rígida com regras de como deve ser usado, muitas vezes estimulando o pensamento único e a repetição de movimentos. Um exemplo grotesco: nada mais se faz em um escorregador do que subir a escada e descer a rampa bundado, repetindo-se ciclicamente. Pouco se estimularia, em ambos casos, a imaginação e a sinestesia da qual a criança poderia provar. A proposta é que as escolas comecem a construir espaços semi-estruturados, com elementos que forneçam possibilidades, cuja brincadeira ou atividade seja norteada pela imaginação da própria criança, evitando que a criança seja condicionada a partir da estrutura em si. Ela mesmo criará suas regras e normas.
Me parece que esse tem sido o movimento na arte contemporânea hoje, ao trazer às exposições e espetáculos com tamanho grau de obscuridade. Espera-se que cada um que se depare com o trabalho tenha significado/experiência distintos, chamando isso de "ampliação da subjetividade do espectador".
O problema é que se esquece da praticidade que se tem em descer um escorregador. Além disso, para a criança, ela nunca está apenas descendo uma rampa, seria menosprezá-la. Rubem Alves disse alguma coisa no sentido de que deveríamos viver nossa vida com o espanto e a curiosidade de uma criança que encontra uma conchinha. O escorregador do clube, para mim, já foi ponte, tunel do tempo e até cachoeira.
Do mesmo modo, não acho que é o caso de culpar apenas o público pelo "baixo grau de instrução", "pouco contato com as artes" ou "falta de sensibilidade". Não, não é culpa do futebol. É simplesmente natural sentirmo-nos afugentados diante do novo, daquilo que nos foge do controle, do comum. Precisa-se sim, do lado do artista, pensar para quem e até quem chegará a arte que está fazendo. É possível uma arte provocativa, que consiga seduzir o público, mas que não caia no mero hermetismo, tampouco seja óbvia e que ainda obtenha a proeza de ser aclamada pela crítica? É. Acreditem, já brinquei em escorregadores que davam várias voltas, de diferentes formatos, velocidades, texturas, até com recursos tecnológicos. E a molecada adorava. Também já tive a oportuidade de conhecer diversos espetáculos, exposições, intervenções dos mais inovadores serem aplaudidos de pé por pessoas das mais tradicionais.
Entretanto, em alguns momentos, o que a suposta inovação tem provocado - tanto para o público da arte contemporênea como para as crianças exiladas de seus parquinhos - é o mesmo que alguns críticos fazem ao utilizarem o termo "hermético", ao invés de "obscuro": nada.
Muitas vezes, uma tela branca é apenas uma tela branca. Ou, como disse algum antropólogo, num contexto bem diferente, uma piscadela é apenas uma piscadela.
(PS: Espero não ter sido (tão) obscuro, quer dizer, hermético. E sim, sou leigo)
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Misturas Relacionadas:
Quão abstrato pode ser um conceito? - Por Fábio Accardo
Viva a Vaia - Por mim mesmo
domingo, 7 de fevereiro de 2010
Cadê o controle remoto?
Há um enunciado, impreciso de minha parte, que atribuem a Deleuze, ou a Deleuze e Guattari, que gostaria profundamente de conhecer a obra, ou contexto em que ela foi utilizada. Isto, porque me dá receio falar dessa frase como se conhecesse os mesmos filósofos e suas respectivas obras. E possivelmente só me lembre dela porque um professor a repetia sempre muitas vezes. Tenho pra mim que em O que é a filosofia? a sentença a que me refiro não está. Como um excelente aforismo, é curta, bastante ampla e, por isso, me soa perigosa, pois assim me parecem aforismos: quando uma mesma sentença é utilizada em contextos diferentes, pode ter seu sentido muito alterado, quem a enuncia lhe atribui um significado desejado, e que outrora poderia não possuir. Mal comparando, seria como vestir roupas pretas dizendo ser “anarquista”, pois assim foram um dia identificados os integrantes desse movimento, e ainda podem ser; só que na Itália do período Mussolini, a cor negra das roupas lembraria os “camisas negras”, por exemplo, que nada tinham de “libertários”. Desse modo, é bom saber o contexto no qual uma oração é empregada para não cair em um quadro teórico indesejado.
Passados poucos dias da tragédia incomparável que se sucedeu no dia 12 de janeiro de 2010 no Haiti, o mundo inteiro sabendo, comentando e já tendo visto, pelos mais diferentes meios de comunicação, a magnitude de tudo, eu me perguntava qual era o sentido de “tolerar o intolerável”, de Deleuze. Acompanhando a reação de algumas pessoas, repetidas vezes, pedindo para trocar de canal na televisão, ou mudar de assunto, diante do "Haiti". Não toleramos, ou toleramos o intolerável? Será que cabe a oração nesta circunstância? Também me canso de repetições, era exaustivo tudo aquilo, um show, no sentido perverso do termo, um espetáculo macabro de imagens e vídeos. Um país esquecido, explorado, abandonado pela história dos destinados ao “progresso da civilização”, e que então se tornou o centro das atenções, mais do que nunca, urgentes. Por que virar o rosto e seguir caminho? Insensibilidade, não são pessoas legais? É como um filme de terror?
Outro filósofo, estadunidense, Richard Rorty, num conhecido debate com o antropólogo Clifford Geertz sobre etnocentrismo, relativismo, diversidade cultural, pontua muito bem um traço de nossa sociedade liberal, democrática: a tolerância à diversidade. Abriríamos constantemente, afirma Rorty, novas janelas para o mundo, para a multiplicidade presente nele, com cuidado, já que, mesmo assim, não compartilharíamos determinadas crenças, valores, pensando em radicalismos e fundamentalismos religiosos espalhados mundo afora. Tenho cá pra mim que, se não ignoramos “as janelas abertas”, estamos é fechando-as.
Agora, o que me deixou profundamente ... sem saber o que dizer ... foi um comentário no jornal Folha de São Paulo após o depoimento do nosso professor, Omar Ribeiro Thomaz, no mesmo jornal. Thomaz estava no Haiti junto com alunos e amigos nossos, desde o início de janeiro, o artigo dele foi publicado no dia 14 de janeiro. No relato de Omar, há um trecho claro, explícito, onde aquele país depois de um passado de escravidão negra, da proclamação da república ignorada, de um cenário político durante a Guerra Fria que os submeteu, como a quase toda América, à agenda estadunidense, de intervenção americana também sobre a economia, que sobre o manto da "ajuda" só destruiu, enfim, a forma como tudo isto pode se expressar seria então na cor da pele. Transcrevo: “Diante da fúria da natureza não cabe outro sentimento que o de uma frustração que deita raízes numa história profunda e que subitamente pode ganhar cor: o mundo dos brancos nos destruiu; o mundo dos brancos diz que quer fazer alguma coisa, mas o que faz, além de nutrir seus telejornais com fotos miseráveis que só fazem alimentar a satisfação autocentrada dos países ditos ocidentais? Não são poucos os agentes das organizações internacionais que anunciam que a “comunidade internacional” estaria cansada do Haiti. Após escutar os haitianos ao longo de anos, de tentar entender o sentido de sua história, digo que são os haitianos que estão fartos das promessas daqueles que dizem representar a “comunidade internacional”. E então, no dia seguinte, surge o dito comentário infeliz: "Assim como muitos sindicatos usam a luta de classes contínua como ferramenta para alimentar o seu fundo de comércio, alguns antropólogos parecem usar a luta racial para o seu. É o que concluo após a leitura do aloprado artigo de ontem de Omar Ribeiro Thomaz. Se alguém tiver dúvida de que a antropologia brasileira do século 21 tem uma agenda ideológica muito definida, basta ler as paranóias publicadas naquele artigo. São as viúvas do comunismo procurando outras bandeiras para prosseguir com sua luta destruidora da sociedade, não respeitando nem as tragédias dos povos." (João Luiz Da Costa Carvalho Vidigal - São Paulo, SP).
Por favor, “luta destruidora da sociedade, não respeitando nem as tragédias dos povos”?
?O que seria “respeitar”? Tolerar o intolerável?
Por fim, dias depois, um dos editores do mesmo jornal, Ruy Castro, resumiu bem: “Nenhum livro, filme ou série de TV jamais poderá dar conta da real dimensão da tragédia de Porto Príncipe. Mesmo a simples reconstituição de um desses – daqueles – dramas individuais está além da capacidade humana de descrever o terror”. Só me pergunto qual o “terror” é aquele que vivemos, estando ou não no Haiti.
Quando inventarem um controle remoto pra trocar desses “tipos de canal”, por favor, me avisem...
sexta-feira, 5 de fevereiro de 2010
Guia Básico da Arte, Capítulo I: As Seis Formas da Arte [Parte I]
Antes de se falar sobre arte e afins, é bom fazer alguns esclarecimentos, e o objetivo dessa postagem e de outras que portem esse título é fazer justamente isso - limpar o meio de campo para entender melhor o que diabos estamos falando aqui.
Na primeira postagem, a abordagem de um tema velho, mas recorrente, que vem da famigerada expressão "sétima arte", utilizada de maneira exagerada por pessoas, publicações e afins para designar o cinema - se o cinema é a sétima, quais são as outras seis, que nunca ouvimos falar por aí? E que papo é esse de "oitava arte" (fotografia) e "nona arte" (histórias em quadrinhos) que só meia dúzia de pessoas gosta de falar?
Para isso, temos que voltar a um dos grandes nomes da filosofia moderna (séc. XVIII e XIX), um dos mais incompreendidos até hoje (parte disso é culpa do próprio autor, que não fazia questão de ser claro na sua maneira de escrever e nos raciocínios que fazia) e o criador da hierarquia de artes da qual o cinema seria a mais recente - George Wilhelm Friedrich Hegel, membro do quarteto fantástico do Idealismo Alemão e parceiro da dupla dinâmica Hegel-Kant do Iluminismo Filosófico.
"Mas por que vou estudar esse cara ultrapassado, prolixo e que dizem pra eu não ler porque ele é de esquerda?!", os leitores podem exclamar. Por dois motivos: Hegel foi o filósofo que inventou a classificação das artes em seis formas - ou seja, é indiretamente o responsável pela criação dos termos "sétima arte" e afins. O outro é que o cara, independente de ser de direita ou de esquerda, continua ecoando nas nossas vidas de um jeito ou de outro com a sua filosofia extremamente complexa e detalhada - o que torna importante saber o que ele escreveu para descobrir o porquê de ter durado tanto e nos influenciar até hoje.
Para compreender essa classificação em seis formas, é preciso primeiramente compreender um dos temas principais da obra do alemão - a sua concepção de arte.
A arte é parte constituinte do sistema filosófico que Hegel desenvolve para a compreensão da realidade e a descoberta de seu sentido: para ele, a atividade humana e toda a sua história tendem a algo que ele chama de Ideia Absoluta - resumidamente, ela é a unidade de todo conhecimento humano, desenvolvido a tal ponto que não se pode avançar além dele, e que representa o ápice desse conhecimento; além disso, a própria vida material e biológica seria uma extensão dessa Ideia: a atividade no mundo material é guiada racionalmente por essa Ideia, através de uma "extensão" da ideia presente nos seres pensantes que o autor chama de Espírito. Complicado, não?
Fica um pouco pior agora: a arte, na visão de Hegel, seria uma das maneiras pelas quais o Espírito é capaz de compreender tanto a si mesmo quanto a Ideia da qual ele é derivado (para efeitos de curiosidade, as outras duas formas de fazer isso são a religião e a filosofia). Ela expressaria essa auto-compreensão do espírito fabricando objetos que tem como fim único esse entendimento de si mesmo, efetivamente expressando de maneira sensorial (audição, visão, tato) toda a liberdade do Espírito. A essa liberdade do Espírito, expressada de maneiras que podemos apreender através dos sentidos, Hegel dá o nome de beleza.
Para Hegel, a verdadeira arte possui esse único propósito - a criação dessa beleza, na qual é possível perceber, através dos sentidos, a liberdade do Espírito. Não há a famosíssima e vazia "arte pela arte", ou a arte revolucionária dos marxistas da teoria crítica, nem mesmo a arte como mera decoração de ambiente - a arte existe com um único propósito: possibilitar o entendimento de nós mesmos, e a expressão de si próprio da maneira mais livre (e, portanto, bela) possível.
Agora que já temos uma definição de arte, podemos tentar descobrir o que são as tais seis formas de arte. Mas isso fica pra próxima postagem - esta já ficou excessivamente longa. Até lá!
Na primeira postagem, a abordagem de um tema velho, mas recorrente, que vem da famigerada expressão "sétima arte", utilizada de maneira exagerada por pessoas, publicações e afins para designar o cinema - se o cinema é a sétima, quais são as outras seis, que nunca ouvimos falar por aí? E que papo é esse de "oitava arte" (fotografia) e "nona arte" (histórias em quadrinhos) que só meia dúzia de pessoas gosta de falar?
Para isso, temos que voltar a um dos grandes nomes da filosofia moderna (séc. XVIII e XIX), um dos mais incompreendidos até hoje (parte disso é culpa do próprio autor, que não fazia questão de ser claro na sua maneira de escrever e nos raciocínios que fazia) e o criador da hierarquia de artes da qual o cinema seria a mais recente - George Wilhelm Friedrich Hegel, membro do quarteto fantástico do Idealismo Alemão e parceiro da dupla dinâmica Hegel-Kant do Iluminismo Filosófico.
"Mas por que vou estudar esse cara ultrapassado, prolixo e que dizem pra eu não ler porque ele é de esquerda?!", os leitores podem exclamar. Por dois motivos: Hegel foi o filósofo que inventou a classificação das artes em seis formas - ou seja, é indiretamente o responsável pela criação dos termos "sétima arte" e afins. O outro é que o cara, independente de ser de direita ou de esquerda, continua ecoando nas nossas vidas de um jeito ou de outro com a sua filosofia extremamente complexa e detalhada - o que torna importante saber o que ele escreveu para descobrir o porquê de ter durado tanto e nos influenciar até hoje.
Para compreender essa classificação em seis formas, é preciso primeiramente compreender um dos temas principais da obra do alemão - a sua concepção de arte.
A arte é parte constituinte do sistema filosófico que Hegel desenvolve para a compreensão da realidade e a descoberta de seu sentido: para ele, a atividade humana e toda a sua história tendem a algo que ele chama de Ideia Absoluta - resumidamente, ela é a unidade de todo conhecimento humano, desenvolvido a tal ponto que não se pode avançar além dele, e que representa o ápice desse conhecimento; além disso, a própria vida material e biológica seria uma extensão dessa Ideia: a atividade no mundo material é guiada racionalmente por essa Ideia, através de uma "extensão" da ideia presente nos seres pensantes que o autor chama de Espírito. Complicado, não?
Fica um pouco pior agora: a arte, na visão de Hegel, seria uma das maneiras pelas quais o Espírito é capaz de compreender tanto a si mesmo quanto a Ideia da qual ele é derivado (para efeitos de curiosidade, as outras duas formas de fazer isso são a religião e a filosofia). Ela expressaria essa auto-compreensão do espírito fabricando objetos que tem como fim único esse entendimento de si mesmo, efetivamente expressando de maneira sensorial (audição, visão, tato) toda a liberdade do Espírito. A essa liberdade do Espírito, expressada de maneiras que podemos apreender através dos sentidos, Hegel dá o nome de beleza.
Para Hegel, a verdadeira arte possui esse único propósito - a criação dessa beleza, na qual é possível perceber, através dos sentidos, a liberdade do Espírito. Não há a famosíssima e vazia "arte pela arte", ou a arte revolucionária dos marxistas da teoria crítica, nem mesmo a arte como mera decoração de ambiente - a arte existe com um único propósito: possibilitar o entendimento de nós mesmos, e a expressão de si próprio da maneira mais livre (e, portanto, bela) possível.
Agora que já temos uma definição de arte, podemos tentar descobrir o que são as tais seis formas de arte. Mas isso fica pra próxima postagem - esta já ficou excessivamente longa. Até lá!
terça-feira, 26 de janeiro de 2010
Escrever... ahn?
Há alguns anos ficou bastante conhecido um livro de Yrving Yalom, psiquiátra e romancista estadounidense, Quando Nietzsche Chorou. Misturando um pouco do que foram as biografias do professor de Freud e do próprio filósofo, Yalom cria uma, senão brilhante, curiosa história em que Nietzsche é paciente de uma embrionária psicanálise. Sem entrar no mérito dos méritos do livro, da literatura, da história, ou mesmo da psicanálise e da filosofia envolvidas, o ousado intento de Yalon merece destaque, afinal, Nietzsche é figura mais do que controvertida para todos nós. Intrigantes são as cartas do filosófo, que o escritor resgata para o contexto criado pelo livro. É sabido que entre elas reside a admiração de Nietzsche por Dostoiévski, do qual, dizem comentadores do filósofo, lhe vieram muitas das reflexões ao longo de sua obra. Também já conhecemos o quanto o mesmo escritor russo é celebrado, tamanha é a apaixonante obsessão dele pela misteriosa mente humana.
Anos mais tarde, depois de Dostoiévski, e quase contemporaneamente a Niezstche, aparecia na outra ponta do continente europeu um sujeito que muito contribuiria ao dito universo, melhor dizendo, só traria caótica maior: Fernando Pessoa. Fernando Pessoa? É. Tudo bem, mas quem? Ele mesmo? Alberto Caeiro? Ricardo Reis? Bernardo Soares? Álvaro de Campos? E sabe lá Deus quantos mais heterônimos, personalidades, traços, orientações e biografias o maluco inventou. Pois bem, se com Nietzche, veja bem, não é um qualquer, Zé Povinho, não, é o tchan tchan tchan... é o Niezstche, a coisa já ficou complicada, agora imagina um carinha fraco das ideias feito o... o Pessoa... Imagina o Fernando Pessoa no divã. Essa eu queria ver, Yalom. Ele não era único, ou diverso, ou desafiador, era simplesmente múltiplo, podia ser muitos, muitos. Não se interessava apenas pela alteridade (a antropologia adora essa palavra), ele sim tornava-se Outro.
Parece que muito tempo depois, em um contexto completamente diferente, Eduardo Viveiros de Casto pode ter encontrado algo parecido quando dá outro sentido a sociedade Tupinambá em "O Mármore e a Murta", de A Inconstâcia da Alma Selvagem. Pois o antropofagia ritual daquela sociedade seria símbolo da abertura para o Outro, a outra sociedade com a qual se relacionavam, do desejo por "ser" o Outro, já que os Tupinambás poderiam desconhecer a noção de identidade personal tal como a nossa (com o perdão devido pelo jargão utilizado) sociedade moderna, de origem judaico-cristã, teria constituído. Tudo bem, desconhecer a noção de identidade tal como o ocidente a conhece não significa que pudessem ser pluri, ou múltiplos, de qualquer forma, quem sabe, diga que poderiam forjar um "novo ser" diante daquilo que o Outro (a sociedade literalmente comida, em vingança) lhe apresentasse. Em resumo, parece que os Tupinambás, que absurdo, tal como Fernando Pessoa, por caminhos tão, tão distantes, também se tornavam Outro.
Já Enrique Vila-Matas, escritor catalão, em O Mal de Montano, cria a história de um romancista, narrador-personagem, em crise com a própria escrita, ou melhor, que está doente de literatura, enfermidade, por sua vez, que dá título ao livro. Na obra, a personagem sofre por enxergar o mundo, ele próprio e as pessoas com quem convive e que atravessam o cotidiano dele, por meio de comparações com obras, trechos, frases, poemas, escritores, enfim, com a literatura que o mesmo narrador conhece. E, no meio da trama, o filho do narrador, e que também escrevia, passa pela mesma moléstia. Assim se desenrola a história do romance, entre reflexões sobre a condição da literatura e suas possibilidades no mundo em que vivemos, ao mesmo tempo em que somos brindados por referências belas e sutis de autores como Borges, por exemplo, para quem a escrita, além do sentido autoral que possa ter, era também uma forma de diálogo com outras obras. Mais, o que se destaca são as comparações, as referências dos acontecimentos da trama e da posição das personagens, ademais da condição delas no interior da obra, situadas que são com outras histórias, outras ficções, romances. É como se uma história pudesse ser lida não somente pela conexão dos elementos que a constitui, mas por outra muito distante no imaginário da literatura, o que faz com que aquilo que pareça óbvio, normal, inevitável e natural, se abra ricamente em significados, em possibilidades. A obra de Vila-Matas não deixa de ser provocativa, no sentido de que constitui também uma crítica ao nosso mundo tão desencantado, de necessária coerência aos nossos preconceitos, lógicas e quadradinhos fechados de racionalização. Ela é um discreto brilho de surpresa poética, mesmo que não nos reserve uma experiência sensacional de leitura.
Uma passagem de Vila-Matas que pode dar alguma coerência, se é que é possível, à minha preguiça em escrever este presente texto hoje, é a referência do narrador a mãe dele: "Se Geoges Bataille dizia que escrevia para não ficar louco, de minha mãe se poderia dizer que, sendo pessoa sensata na vida real, ficava louca quando escrevia"(p.129).
Anos mais tarde, depois de Dostoiévski, e quase contemporaneamente a Niezstche, aparecia na outra ponta do continente europeu um sujeito que muito contribuiria ao dito universo, melhor dizendo, só traria caótica maior: Fernando Pessoa. Fernando Pessoa? É. Tudo bem, mas quem? Ele mesmo? Alberto Caeiro? Ricardo Reis? Bernardo Soares? Álvaro de Campos? E sabe lá Deus quantos mais heterônimos, personalidades, traços, orientações e biografias o maluco inventou. Pois bem, se com Nietzche, veja bem, não é um qualquer, Zé Povinho, não, é o tchan tchan tchan... é o Niezstche, a coisa já ficou complicada, agora imagina um carinha fraco das ideias feito o... o Pessoa... Imagina o Fernando Pessoa no divã. Essa eu queria ver, Yalom. Ele não era único, ou diverso, ou desafiador, era simplesmente múltiplo, podia ser muitos, muitos. Não se interessava apenas pela alteridade (a antropologia adora essa palavra), ele sim tornava-se Outro.
(Salto)
Parece que muito tempo depois, em um contexto completamente diferente, Eduardo Viveiros de Casto pode ter encontrado algo parecido quando dá outro sentido a sociedade Tupinambá em "O Mármore e a Murta", de A Inconstâcia da Alma Selvagem. Pois o antropofagia ritual daquela sociedade seria símbolo da abertura para o Outro, a outra sociedade com a qual se relacionavam, do desejo por "ser" o Outro, já que os Tupinambás poderiam desconhecer a noção de identidade personal tal como a nossa (com o perdão devido pelo jargão utilizado) sociedade moderna, de origem judaico-cristã, teria constituído. Tudo bem, desconhecer a noção de identidade tal como o ocidente a conhece não significa que pudessem ser pluri, ou múltiplos, de qualquer forma, quem sabe, diga que poderiam forjar um "novo ser" diante daquilo que o Outro (a sociedade literalmente comida, em vingança) lhe apresentasse. Em resumo, parece que os Tupinambás, que absurdo, tal como Fernando Pessoa, por caminhos tão, tão distantes, também se tornavam Outro.
(O intercâmbio entre planos diferentes, ou dito de outra forma, da psiquê e do social, representa uma profunda falta de rigor.)
Já Enrique Vila-Matas, escritor catalão, em O Mal de Montano, cria a história de um romancista, narrador-personagem, em crise com a própria escrita, ou melhor, que está doente de literatura, enfermidade, por sua vez, que dá título ao livro. Na obra, a personagem sofre por enxergar o mundo, ele próprio e as pessoas com quem convive e que atravessam o cotidiano dele, por meio de comparações com obras, trechos, frases, poemas, escritores, enfim, com a literatura que o mesmo narrador conhece. E, no meio da trama, o filho do narrador, e que também escrevia, passa pela mesma moléstia. Assim se desenrola a história do romance, entre reflexões sobre a condição da literatura e suas possibilidades no mundo em que vivemos, ao mesmo tempo em que somos brindados por referências belas e sutis de autores como Borges, por exemplo, para quem a escrita, além do sentido autoral que possa ter, era também uma forma de diálogo com outras obras. Mais, o que se destaca são as comparações, as referências dos acontecimentos da trama e da posição das personagens, ademais da condição delas no interior da obra, situadas que são com outras histórias, outras ficções, romances. É como se uma história pudesse ser lida não somente pela conexão dos elementos que a constitui, mas por outra muito distante no imaginário da literatura, o que faz com que aquilo que pareça óbvio, normal, inevitável e natural, se abra ricamente em significados, em possibilidades. A obra de Vila-Matas não deixa de ser provocativa, no sentido de que constitui também uma crítica ao nosso mundo tão desencantado, de necessária coerência aos nossos preconceitos, lógicas e quadradinhos fechados de racionalização. Ela é um discreto brilho de surpresa poética, mesmo que não nos reserve uma experiência sensacional de leitura.
Uma passagem de Vila-Matas que pode dar alguma coerência, se é que é possível, à minha preguiça em escrever este presente texto hoje, é a referência do narrador a mãe dele: "Se Geoges Bataille dizia que escrevia para não ficar louco, de minha mãe se poderia dizer que, sendo pessoa sensata na vida real, ficava louca quando escrevia"(p.129).
sexta-feira, 22 de janeiro de 2010
Arte: Ser ou não Ser
Desculpa-me pela postagem um pouco mais longa, eu te perdoarei caso pares de ler após a primeira linha.
Já é sabido que este blog fala sobre Arte e Cultura. Aqui, postamos artigos próprios sobre música, cinema, fotografia, artes plásticas, entre outros. Porém em nosso, digamos, "backstage" discutimos muito sobre pressupostos que utilizamos, em vista a tentar fazer um editorial mais ou menos coerente. É claro que seria impossível a mão única, visto que somos cinco sociólogos e, como se sabe, a principal característica do cientista social é contrariar o que estiver à sua frente. Pois bem. Recentemente, em uma de nossas indigestas reuniões, discutíamos afinal o que seria arte e cultura, avaliando essa tentativa que fazemos de não analisá-las como campos autônomos, desvinculado do restante da sociedade, como o faz a crítica tradicional. É um questionamento que sempre vem à tona, afinal, impossível uma resposta concreta e definitiva.
Eis que, durante leitura do caderno Ilustrada, do dia 20/01, dois artigos que indiretamente falavam sobre o tema, me chamaram a atenção. O primeiro, de Mário César Carvalho, sobre o ritmo tipicamente latino reggaeton, cujo título era "Análise: adjetivos contra o ritmo dizem mais sobre os críticos". Já o segundo, de Marcelo Coelho, falava sobre o vale-tudo na arte, mas não encontrei na internet o texto aberto para não assinantes da Folha, potanto escolhi aqui, outro artigo do mesmo autor e ainda melhor elaborado, no site Digestivo Cultural, cujo título é "A letargia crítica na feira do vale-tudo da arte".
O texto de Mário Carvalho mostra como a crítica, preconceituosamente, age de modo a colocar empecilhos contra negros e latinos que tentam fazer algo distinto na música, foi assim com jazz, funk, soul, rap e agora o reggaeton. Mas, no final das contas a indústria cultural acaba por apropriar-se desses ritmos e a "enquadrar a malandragem".
Já o artigo de Coelho é, na verdade, uma análise acerca do livro de Luciano Trigo (A grande feira: uma reação ao vale-tudo da arte contemporânea), sobre o qual o autor simpatiza-se (mais no Digestivo do que na Folha). O cerne do livro, nas palavras do colunista, é mostrar como "o resultado pernicioso que a 'falência da crítica' e a ausência de debate proporcionam: um aglomerado de pseudo-obras de arte estão sendo incondicionalmente aceitas por todos, independentemente de seu valor, mas legitimadas por marchands, galeristas e acionistas, além de serem agraciadas por críticos de arte que não conseguem senão adular o espetáculo/imbróglio comercial no qual a grande parte da produção de arte se envolveu e da qual se tornou prisioneira." O autor discorre sobre vários exemplos e bibliografia sobre o tema e conclui: "O texto de Trigo nos faz pensar. E principalmente nos faz pensar até que ponto muito do que circula por aí se autodenominando e sendo chamada de obra de arte não passa de 'signos portadores de valor financeiro'. E nada mais que isso".
Para ilustrar os artigos, dois exemplos que me vieram à cabeça ao lê-los. 1- certa vez alguém que já não lembro comentou comigo que ao cansar-se de andar pelos corredores da Bienal, sentou-se em um banco com as penas cruzadas e cabisbaixo, quando percebeu alguém tirando sua foto. Ao tirar satisfação com o dono da câmera, o rapaz disse que pensou que estava fazendo uma "intervenção artística". 2- Em 2007, Katja Schneider, diretora do Museu de Arte de Moritzburg (Alemanha), atribuiu a Ernst Wilhelm um quadro, na verdade pintado por uma chimpanzé fêmea. (nada contra os símios, que fique claro à geração verde)
Resumo da ópera, quando entramos, pisando em ovos nesse campo amplo e delicado que é arte e cultura precisamos ter em vista o que está por trás de cada trabalho, de cada artista. O movimento que a Indústria Cultural faz, levando alguns ao sucesso e outros ao anonimato, não é ingênuo e não pode ser ignorado. Há uma complexa trama subliminar envolvendo mídia, patrocinador, artista, valor de exposição, mercado consumidor e crítica. Há outros fatores extra-artístico que determinam o que é e o que não é aceito como arte. O preconceito de críticos sobre determinados ritmos ou obras diz mais do que aos próprios críticos, mas sobre a dinâmica de dominação da própria sociedade. Dissecar essa dinâmica e esse jogo de vencedores e vencidos, é o nosso desafio. Ao ler neste Blog o artigo sobre Vale-Cultura escrito por um de nossos Indigestos, pensei sobre como determinar o que poderia ser consumido como cultura. Por que tendemos a não aceitar o gasto com um ingresso pro jogo do Corinthians, uma Playboy, ou para um show do Calypso? E por que sequer questionamos a possibilidade de se utilizar para exposições, mostras e galerias que muitas vezes alavancam e mantêm essa própria estética dominante? Como hierarquizar o campo artístico, senão pela reprodução desse elitismo?
Por fim, somando os artigos e os exemplos, como subverter a letargia de uma crítica já enquadrada por um valor de mercado e instrumentalizada pela dominação social?
É o que tentaremos, com muitas falhas e limitações, fazer aqui, ainda que não tenhamos a pretensão de nos livrarmos dessas perguntas que surgem como espectros que devem seguir todos que se proponham a falar sobre Arte e Cultura.
Já é sabido que este blog fala sobre Arte e Cultura. Aqui, postamos artigos próprios sobre música, cinema, fotografia, artes plásticas, entre outros. Porém em nosso, digamos, "backstage" discutimos muito sobre pressupostos que utilizamos, em vista a tentar fazer um editorial mais ou menos coerente. É claro que seria impossível a mão única, visto que somos cinco sociólogos e, como se sabe, a principal característica do cientista social é contrariar o que estiver à sua frente. Pois bem. Recentemente, em uma de nossas indigestas reuniões, discutíamos afinal o que seria arte e cultura, avaliando essa tentativa que fazemos de não analisá-las como campos autônomos, desvinculado do restante da sociedade, como o faz a crítica tradicional. É um questionamento que sempre vem à tona, afinal, impossível uma resposta concreta e definitiva.
Eis que, durante leitura do caderno Ilustrada, do dia 20/01, dois artigos que indiretamente falavam sobre o tema, me chamaram a atenção. O primeiro, de Mário César Carvalho, sobre o ritmo tipicamente latino reggaeton, cujo título era "Análise: adjetivos contra o ritmo dizem mais sobre os críticos". Já o segundo, de Marcelo Coelho, falava sobre o vale-tudo na arte, mas não encontrei na internet o texto aberto para não assinantes da Folha, potanto escolhi aqui, outro artigo do mesmo autor e ainda melhor elaborado, no site Digestivo Cultural, cujo título é "A letargia crítica na feira do vale-tudo da arte".
O texto de Mário Carvalho mostra como a crítica, preconceituosamente, age de modo a colocar empecilhos contra negros e latinos que tentam fazer algo distinto na música, foi assim com jazz, funk, soul, rap e agora o reggaeton. Mas, no final das contas a indústria cultural acaba por apropriar-se desses ritmos e a "enquadrar a malandragem".
Já o artigo de Coelho é, na verdade, uma análise acerca do livro de Luciano Trigo (A grande feira: uma reação ao vale-tudo da arte contemporânea), sobre o qual o autor simpatiza-se (mais no Digestivo do que na Folha). O cerne do livro, nas palavras do colunista, é mostrar como "o resultado pernicioso que a 'falência da crítica' e a ausência de debate proporcionam: um aglomerado de pseudo-obras de arte estão sendo incondicionalmente aceitas por todos, independentemente de seu valor, mas legitimadas por marchands, galeristas e acionistas, além de serem agraciadas por críticos de arte que não conseguem senão adular o espetáculo/imbróglio comercial no qual a grande parte da produção de arte se envolveu e da qual se tornou prisioneira." O autor discorre sobre vários exemplos e bibliografia sobre o tema e conclui: "O texto de Trigo nos faz pensar. E principalmente nos faz pensar até que ponto muito do que circula por aí se autodenominando e sendo chamada de obra de arte não passa de 'signos portadores de valor financeiro'. E nada mais que isso".
Para ilustrar os artigos, dois exemplos que me vieram à cabeça ao lê-los. 1- certa vez alguém que já não lembro comentou comigo que ao cansar-se de andar pelos corredores da Bienal, sentou-se em um banco com as penas cruzadas e cabisbaixo, quando percebeu alguém tirando sua foto. Ao tirar satisfação com o dono da câmera, o rapaz disse que pensou que estava fazendo uma "intervenção artística". 2- Em 2007, Katja Schneider, diretora do Museu de Arte de Moritzburg (Alemanha), atribuiu a Ernst Wilhelm um quadro, na verdade pintado por uma chimpanzé fêmea. (nada contra os símios, que fique claro à geração verde)
Resumo da ópera, quando entramos, pisando em ovos nesse campo amplo e delicado que é arte e cultura precisamos ter em vista o que está por trás de cada trabalho, de cada artista. O movimento que a Indústria Cultural faz, levando alguns ao sucesso e outros ao anonimato, não é ingênuo e não pode ser ignorado. Há uma complexa trama subliminar envolvendo mídia, patrocinador, artista, valor de exposição, mercado consumidor e crítica. Há outros fatores extra-artístico que determinam o que é e o que não é aceito como arte. O preconceito de críticos sobre determinados ritmos ou obras diz mais do que aos próprios críticos, mas sobre a dinâmica de dominação da própria sociedade. Dissecar essa dinâmica e esse jogo de vencedores e vencidos, é o nosso desafio. Ao ler neste Blog o artigo sobre Vale-Cultura escrito por um de nossos Indigestos, pensei sobre como determinar o que poderia ser consumido como cultura. Por que tendemos a não aceitar o gasto com um ingresso pro jogo do Corinthians, uma Playboy, ou para um show do Calypso? E por que sequer questionamos a possibilidade de se utilizar para exposições, mostras e galerias que muitas vezes alavancam e mantêm essa própria estética dominante? Como hierarquizar o campo artístico, senão pela reprodução desse elitismo?
Por fim, somando os artigos e os exemplos, como subverter a letargia de uma crítica já enquadrada por um valor de mercado e instrumentalizada pela dominação social?
É o que tentaremos, com muitas falhas e limitações, fazer aqui, ainda que não tenhamos a pretensão de nos livrarmos dessas perguntas que surgem como espectros que devem seguir todos que se proponham a falar sobre Arte e Cultura.
sexta-feira, 8 de janeiro de 2010
Vale-Cultura - Uma Discussão
Para quem não sabe, o Vale-Cultura é uma iniciativa do Governo Federal que se propõe a beneficiar uma parcela da população brasileira que teria seu acesso à cultura bloqueado graças aos custos um tanto proibitivos da cultura em nosso país. Nas suas etapas finais, o sancionamento da lei que o estabelece ocorrerá em Fevereiro, após votação na Câmara - passada a votação, tudo dependerá do aval do presidente Lula, que já mostrou apoio incondicional ao projeto de lei; caso aprovado, a implementação efetiva do programa está marcada para 2011. Ou seja, o vale-cultura é praticamente uma certeza nas vidas de muitos cidadãos brasileiros a partir do ano que vem.
Mas no que consiste exatamente essa medida, que causou certo furor na mídia, sendo chamada de "vale-circo" por Gilberto Dimenstein, "mais uma bolsa-esmola" entre a oposição ao governo atual, e comentários virulentos como "pão-e-circo petista", "pega-trouxa de ano de eleição", "medida governamental pra fazer o povão ver o filme do lula" no Twitter, no Orkut e em outros meios sociais?
Ideologismos emocionados à parte, vamos aos fatos sobre o Vale-Cultura. E eles estão à disposição de todos, na forma do PLC 221/09, que descreve detalhe a detalhe como é que a primeira medida de fomento de consumo cultural da história do país funciona.
Basicamente, o Vale-Cultura consiste na concessão de um vale de R$ 50 (para aposentados, o valor é de R$ 30), pessoal e instransferível, para qualquer cidadão que consiga comprovar que sua renda mensal é igual ou menor a cinco salários mínimos (R$ 2550 segundo os valores de Jan/10). Ele é distribuído pelo governo federal às empresas cadastradas no programa; estas, por sua vez, devem repassar o Vale aos seus funcionários que se enquadrem como beneficiários do projeto, que poderão utilizá-lo em qualquer estabelecimento autorizado a recebê-lo como forma de pagamento. Ou seja, somente empresas cadastradas no programa poderão aceitar o Vale-Cultura, e o governo não coloca o cadastramento no programa como obrigação.
De forma a tornar a adesão atrativa às empresas e incentivar o cadastro do maior número possível de empresas no programa, o governo oferece um desconto no Imposto de Renda de Pessoa Jurídica para aqueles que oferecerem o Vale: todo o dinheiro gasto dessa maneira pode ser revertido em abatimento do IR. Além disso, a empresa está autorizada a deduzir até 10% do valor do Vale (R$ 5,00) do salário dos funcionários beneficiados na forma de "despesas operacionais" (custos embutidos na emissão dos vales, compra de equipamento adequado, treinamento de pessoal, etc), de forma a diminuir os gastos com a implementação do programa na empresa.
O Vale-Cultura pode ser gasto somente naquilo que o PL enquadra como sendo um serviço ou produto cultural. Isso pareceria restritivo de início; porém, da maneira que se põe na lei, a definição é bastante abrangente, englobando todo serviço ou produto que possa ser incluído como sendo das artes visuais/cênicas, da literatura e das humanidades, do audiovisual, da música e dos patrimônios culturais. Isso incluiria tanto produtos e serviços culturais tidos como definições-padrão daquilo que seria cultura (teatro, apresentações musicais, cds de música, livros, idas a museus) quanto alguns que causam horror e espanto quando são chamados de cultura (jogos de videogame, livros de RPG, revistas em quadrinhos e/ou pornográficas, shows de funk, apresentações eróticas).
Deixando discussões políticas um pouco de lado, observemos alguns pontos interessantes que o projeto levanta, independente de ser aprovado ou não: ele aborda uma série de questões e elementos que, tradicionalmente, não tentamos responder, por não sermos confrontados com elas cotidianamente.
- Democratização da Cultura - O Lado Positivo. É inegável que o aumento do acesso à cultura, salvo raras exceções, é visto como um ponto positivo inegável na proposição desse projeto. Em um país cuja forma mais popular de difusão de conhecimentos continua a mesma desde os anos 50 (a televisão), não se pode negar que variar as possibilidades de contato com a cultura da população mais empobrecida é uma medida mais do que bem-vinda: isso acaba levando a novas maneiras de observar e pensar o mundo, a si mesmo e educar por vias não tradicionais uma camada da população que, por muitos anos, foi extremamente negligenciada nesse aspecto.
- Democratização da Cultura - O Lado Negativo. É também inegável, porém, a possibilidade da existência de efeitos nocivos com uma democratização irresponsável da cultura. Adorno e Horkheimer já alertavam nos mesmos anos 50 da ascensão meteórica da televisão e do rádio sobre os efeitos extremamente nocivos da popularização de produtos culturais extremamente pobres e de fácil produção, produzidos somente para serem vendidos como mercadorias descartáveis e vazias e como uma das mais eficientes maneiras de manter a população satisfeita, alheia à sua situação real e completamente sedada pelos prazeres do entretenimento. A grande questão é: o programa, por si só, já basta para resolver os problemas relativos à presença e variedade da cultura na vida das pessoas? Certamente, uma proposta que vá além da garantia de acesso é necessária para se evitar armadilhas que, a princípio, são positivas sob o aspecto da democratização mas que em seu funcionamento acabam sendo o contrário disso e agravam os problemas que o programa, a princípio, deveria resolver.
- O Que é Cultura? Talvez o ponto mais polêmico do projeto seja apresentar uma definição muito abstrata e ampla daquilo que contemplaria os serviços e produtos disponíveis à compra através do Vale. Existem defensores, os que enxergam benefícios e malefícios e detratores dessa indefinição conceitual. Ela envolve debates antigos sobre arte e cultura (os mais importantes envolvidos: elitização e qualidade vs. popularização e variedade; e popular vs. erudito); questões que, graças à sua subjetividade, não podem receber uma única resposta definitiva. É uma questão que muito provavelmente permanecerá da maneira que está, do ponto de vista do governo: tendo como ponto de partida o próprio objetivo do programa (i.e. maior acesso à cultura), faz muito mais sentido liberar o máximo possível do que impor, à força, restrições a manifestações culturais e artisticas através de uma definição de cima-para-baixo daquilo que o programa pode abranger.
Pelos pontos que levanta sobre a arte e a cultura, e ao mostrar uma maneira pela qual a sociedade e o governo podem se relacionar com esses dois assuntos, o novo projeto governamental está longe de ser mais uma bolsa assistencialista de um governo de centro-esquerda - ela é o centro de uma série de discussões interessantes sobre a sociedade, a política, nossas fontes de entretenimento, a arte e a cultura, e as maneiras pelas quais acessamos produtos e serviços que, em primeira vista, não servem para nada, mas que nos são muito importantes. Pensar e refletir sobre esse projeto é tentar solucionar o mistério da arte e da cultura, que nos aflige de diferentes maneiras conforme o tempo passa.
Mas no que consiste exatamente essa medida, que causou certo furor na mídia, sendo chamada de "vale-circo" por Gilberto Dimenstein, "mais uma bolsa-esmola" entre a oposição ao governo atual, e comentários virulentos como "pão-e-circo petista", "pega-trouxa de ano de eleição", "medida governamental pra fazer o povão ver o filme do lula" no Twitter, no Orkut e em outros meios sociais?
Ideologismos emocionados à parte, vamos aos fatos sobre o Vale-Cultura. E eles estão à disposição de todos, na forma do PLC 221/09, que descreve detalhe a detalhe como é que a primeira medida de fomento de consumo cultural da história do país funciona.
Basicamente, o Vale-Cultura consiste na concessão de um vale de R$ 50 (para aposentados, o valor é de R$ 30), pessoal e instransferível, para qualquer cidadão que consiga comprovar que sua renda mensal é igual ou menor a cinco salários mínimos (R$ 2550 segundo os valores de Jan/10). Ele é distribuído pelo governo federal às empresas cadastradas no programa; estas, por sua vez, devem repassar o Vale aos seus funcionários que se enquadrem como beneficiários do projeto, que poderão utilizá-lo em qualquer estabelecimento autorizado a recebê-lo como forma de pagamento. Ou seja, somente empresas cadastradas no programa poderão aceitar o Vale-Cultura, e o governo não coloca o cadastramento no programa como obrigação.
De forma a tornar a adesão atrativa às empresas e incentivar o cadastro do maior número possível de empresas no programa, o governo oferece um desconto no Imposto de Renda de Pessoa Jurídica para aqueles que oferecerem o Vale: todo o dinheiro gasto dessa maneira pode ser revertido em abatimento do IR. Além disso, a empresa está autorizada a deduzir até 10% do valor do Vale (R$ 5,00) do salário dos funcionários beneficiados na forma de "despesas operacionais" (custos embutidos na emissão dos vales, compra de equipamento adequado, treinamento de pessoal, etc), de forma a diminuir os gastos com a implementação do programa na empresa.
O Vale-Cultura pode ser gasto somente naquilo que o PL enquadra como sendo um serviço ou produto cultural. Isso pareceria restritivo de início; porém, da maneira que se põe na lei, a definição é bastante abrangente, englobando todo serviço ou produto que possa ser incluído como sendo das artes visuais/cênicas, da literatura e das humanidades, do audiovisual, da música e dos patrimônios culturais. Isso incluiria tanto produtos e serviços culturais tidos como definições-padrão daquilo que seria cultura (teatro, apresentações musicais, cds de música, livros, idas a museus) quanto alguns que causam horror e espanto quando são chamados de cultura (jogos de videogame, livros de RPG, revistas em quadrinhos e/ou pornográficas, shows de funk, apresentações eróticas).
Deixando discussões políticas um pouco de lado, observemos alguns pontos interessantes que o projeto levanta, independente de ser aprovado ou não: ele aborda uma série de questões e elementos que, tradicionalmente, não tentamos responder, por não sermos confrontados com elas cotidianamente.
- Democratização da Cultura - O Lado Positivo. É inegável que o aumento do acesso à cultura, salvo raras exceções, é visto como um ponto positivo inegável na proposição desse projeto. Em um país cuja forma mais popular de difusão de conhecimentos continua a mesma desde os anos 50 (a televisão), não se pode negar que variar as possibilidades de contato com a cultura da população mais empobrecida é uma medida mais do que bem-vinda: isso acaba levando a novas maneiras de observar e pensar o mundo, a si mesmo e educar por vias não tradicionais uma camada da população que, por muitos anos, foi extremamente negligenciada nesse aspecto.
- Democratização da Cultura - O Lado Negativo. É também inegável, porém, a possibilidade da existência de efeitos nocivos com uma democratização irresponsável da cultura. Adorno e Horkheimer já alertavam nos mesmos anos 50 da ascensão meteórica da televisão e do rádio sobre os efeitos extremamente nocivos da popularização de produtos culturais extremamente pobres e de fácil produção, produzidos somente para serem vendidos como mercadorias descartáveis e vazias e como uma das mais eficientes maneiras de manter a população satisfeita, alheia à sua situação real e completamente sedada pelos prazeres do entretenimento. A grande questão é: o programa, por si só, já basta para resolver os problemas relativos à presença e variedade da cultura na vida das pessoas? Certamente, uma proposta que vá além da garantia de acesso é necessária para se evitar armadilhas que, a princípio, são positivas sob o aspecto da democratização mas que em seu funcionamento acabam sendo o contrário disso e agravam os problemas que o programa, a princípio, deveria resolver.
- O Que é Cultura? Talvez o ponto mais polêmico do projeto seja apresentar uma definição muito abstrata e ampla daquilo que contemplaria os serviços e produtos disponíveis à compra através do Vale. Existem defensores, os que enxergam benefícios e malefícios e detratores dessa indefinição conceitual. Ela envolve debates antigos sobre arte e cultura (os mais importantes envolvidos: elitização e qualidade vs. popularização e variedade; e popular vs. erudito); questões que, graças à sua subjetividade, não podem receber uma única resposta definitiva. É uma questão que muito provavelmente permanecerá da maneira que está, do ponto de vista do governo: tendo como ponto de partida o próprio objetivo do programa (i.e. maior acesso à cultura), faz muito mais sentido liberar o máximo possível do que impor, à força, restrições a manifestações culturais e artisticas através de uma definição de cima-para-baixo daquilo que o programa pode abranger.
Pelos pontos que levanta sobre a arte e a cultura, e ao mostrar uma maneira pela qual a sociedade e o governo podem se relacionar com esses dois assuntos, o novo projeto governamental está longe de ser mais uma bolsa assistencialista de um governo de centro-esquerda - ela é o centro de uma série de discussões interessantes sobre a sociedade, a política, nossas fontes de entretenimento, a arte e a cultura, e as maneiras pelas quais acessamos produtos e serviços que, em primeira vista, não servem para nada, mas que nos são muito importantes. Pensar e refletir sobre esse projeto é tentar solucionar o mistério da arte e da cultura, que nos aflige de diferentes maneiras conforme o tempo passa.