Aquilo

Acho que estou com uma doença.

Ela se manifesta naquela pequena eternidade dos minutos em que é necessário ficar sozinho em meio à multidão, esperando por algo prosaico, mas relativamente importante, acontecer - filas de banco/supermercado/etc., o tempo de trajeto do metrô, o pedido chegar à mesa do restaurante, a espera no ponto de ônibus... São nesses momentos de calmaria/tédio cotidiano que aquilo aparece, colocado no mundo por algum objeto ou reflexão meio vazios de significado, mas que são a proverbial gota d'água num copo prestes a transbordar, ou que fecham o circuito necessário para a igualmente proverbial oficina do diabo começar a funcionar.

É difícil explicar o que vem a ser aquilo; o importante é que aquilo existe, e normalmente transforma uma platitude qualquer em um longo inferno de reflexões acerca da vida, cuja existência é injustificada no momento em que ele surge. Segue um exemplo recém colhido de uma ida ao supermercado para comprar queijo, escova de dentes, meio quilo de patinho moído, duas tangerinas e saquinhos para chá¹, ao chegar na fila do caixa:

"Pô, que louco, né. Agora tem mais um balcão só pra queijo aqui; se for contar, deve ter coisa na casa de quarenta ou mais queijos diferentes nesse balcão. Apesar disso, continuo escolhendo o mesmo queijo de sempre. Por que será que faço isso? Não é porque é o mais gostoso, pois não conheço o suficiente de queijo pra afirmar isso; nem é por causa do preço, pois tem alguns mais baratos que ele... Não é porque ele me contenta mais, senão nem questionaria o fato de existir tanto queijo no mundo e eu insistir no mesmo de sempre; por que diabos essa preferência ao certo ao invés de arriscar naquilo que pode ser duvidoso? Não sei se é legal isso... E se eu fizer isso com outras coisas da minha vida? Deuses, e se eu só tiver essa vida porque, lá no fundo, fui ensinado a não arriscar com o novo e não aprendi a enxergar e experimentar novas e melhores possibilidades para tudo? Por que escolho aquilo que escolho, e não escolho aquilo que não escolho? Aliás, será que realmente escolho algo nessa vida, ou todas as opções que aparecem a mim já estão com a resposta predeterminada, e é por isso que não tenho vontade de experimentar outros queijos?"

Parei com essa diatribe mental quando me dei conta que tinha saído de casa para comprar o que faltava para o almoço e períodos arredores, e estava voltando para ela com questionamentos sobre a natureza do livre arbítrio vindos da gôndola de queijo dum supermercado. Isso não podia ser coisa normal, que todos da fila estavam fazendo simultaneamente a mim.

[Mentira, parei porque a menina do caixa perguntou se eu queria CPF na nota e se eu era Cliente Mais.]

Aquilo me acontece já faz tempo, e às vezes tenho a impressão que posso me ferrar grandão se der muito ouvido a ele. Como, por exemplo, quando eu estava esperando o ônibus pra voltar da faculdade à noite, após ter perdido o ônibus da minha linha por uma questão de segundos:

"Puxa vida, agora vou ter que esperar mais meia hora pra voltar pra casa... Pior que vão passar umas quatro linhas diferentes, e nenhuma vai pra onde preciso. Aliás, nem sei se preciso delas ou não... Eu devia ver para onde elas vão algum dia antes de falar isso. Ou então subir, na louca, e ver até onde chego com elas. Pode ser perto de casa, pode não ser. De repente, é legal para conhecer um pouco mais a cidade e os arredores... Seria bom pra dar uma chacoalhada no dia-a-dia. Sempre reclamo que as coisas não mudam muito na minha vida, mas às vezes só um ato pequeno de imprudência e um pouco de ousadia podem dar uma estremecida em tudo que temos nela. É, é isso. Eu preciso fazer mais dessas pequenas coisas que, a princípio, não parecem mudar nada, mas mudam toda sua rotina de um jeito ou de outro. É tão fácil, não é mesmo?! Às vezes a mudança está a um sinal de parar prum ônibus que você nunca pegou, e ainda assim temos medo de fazer esses pequenos gestos. Por que será? O nosso descontento é com a falta de mudança na vida, ou com o fato de termos nos contentado fácil demais com aquilo que ela costuma nos dar e não sentir a necessidade de mudar? Acho que só tem um jeito de descobrir..."

Para o alívio da minha família e amigos, mesmo motivado por um curioso existencialismo de ponto de ônibus, decidi não aventurar-me na calada da noite com o próximo ônibus que viesse: li o destino final do ônibus que estava a passar, e algo na minha mente prudentemente apontou que não era o momento apropriado para ir até Americana às dez e meia da noite para descobrir o que ela tinha a mudar na minha vida.

No começo, aquilo me incomodava muito: tinha medo de estar ficando levemente louco, ou de, pior!, estar nessas obsessões pseudointelectuais causadas por estudos de mais e distrações de menos. Porém, comecei a achar aquilo curioso e, depois, interessante: acabei percebendo que, durante o dia-a-dia, praticamente não se oferecem momentos para refletirmos de maneira mais profunda e calma sobre aquilo que estamos fazendo e o que nos cerca, e essa ausência de reflexão pode se tornar uma grande fonte de angústias e dúvidas caso não tenhamos alguns momentos para destilá-las e transformá-las em alguns apontamentos e observações sobre o que estamos fazendo com as nossas vidas.

Ainda que aquilo me passasse um terrível mal-estar de estar pensando demais em momentos inoportunos e me fizesse voltar cheio de angústias de tarefas que, a princípio, não deveriam causar nenhum tipo de desarranjo psíquico, acabei percebendo que era um alívio ter aqueles minutos de reflexão sem rumo: eram eles que me faziam perceber que todo o resto do tempo eu estava ocupando minha cabeça com outras coisas, com outras pessoas e com outros processos, e que toda essa ocupação estava me deixando cego para algumas perguntas importantes que eu devia fazer de vez em quando para mim mesmo, só para me ver um pouco mais e saber como estou, para além das responsabilidades, deveres e afins que se esperam de mim.

Em um mundo que parece ter uma obsessão patológica em não te deixar sozinho ou sem uma avalanche de estímulos em nenhum momento, esse existencialismo de ponto de ônibus é o minuto de silêncio necessário para se ter um dos momentos mais temerosos e raros desses estranhos tempos modernos: aquele em que você fica sozinho, frente a frente aos seus pensamentos, e eles refletem tudo aquilo que você não tem tempo de ver em si próprio durante o resto do dia.
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¹ - Quando fui escrever o texto e fui relembrando os acontecidos, peguei a lista de compras para reproduzir aqui e dei risada ao ver os itens: é o tipo de lista esquisita que só gente que não se organiza muito para ir ao mercado faz. Mas aí fiquei feliz, porque ela me levou a uma associação bizarra: uma lista de compras é meio que como a vida se desenrola - às vezes, as necessidades que se colocam em ambas são imprevistas e muito estranhas se colocadas em conjunto, mas independente da bizarrice ou desconexão que apresentam, precisam ser sanadas para podermos ir em frente e se preocupar com outras coisas.

...

Oh não, aquilo aconteceu enquanto escrevia esse texto.

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[Tradução] Eu estou bem

NOTA DO TRADUTOR: O texto a seguir se propõe a uma questão difícil: como discutir uma questão como o feminismo do ponto de vista do gênero privilegiado na sociedade, sem se deixar nublar nas reflexões pelo fato de certos privilégios serem tomados como dados e, às vezes, nem se perceber este fato?

Este texto não se pretende como portador de uma verdade, ou uma resposta definitiva a esta questão - apenas como um ponto de vista que vai para além da mera intuição e do senso comum. É uma contribuição possível para solucionar uma questão cuja resposta, a princípio longe de ser encontrada, se lapida nos debates, reflexões e combates que giram em torno dela.
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Começou outro dia. Estava tranquilamente me queixando por ser obrigado pela sociedade a me barbear todos os dias, e que é realmente lamentável, e até mesmo que um pouco disso era culpa das mulheres, quando ela me jogou na cara:

'Pare um pouco de reclamar; você não é oprimido.'

Observei-a de toda minha altura (e vi que meço 1,73m, de sapatos; foi só um pouco mais do que altura física), e me preparei para lhe devolver meu discurso de sempre em relação a esta questão. Um discurso que aprendi dos outros. Eu ia lhe explicar que, sim, eu também sou oprimido. Que o patriarcado, veja bem, também oprime os homens, minha cara. É como o racismo: os brancos também sofrem com ele, você sabe. E nem te conto sobre a exploração capitalista. Eu sei alguma coisa da exploração capitalista: eu sou professor. Isso quer dizer que ela me é jogada na cara todo dia.

Foi então que ouvi uma voz. Uma voz que vinha de muito longe. Bem do fundo de mim. Creio que ela sempre esteve lá, como um ruído de fundo. Mas ela começo a crescer, a aumentar, a tornar-se verdadeiramente enorme. E ela dizia a mesma coisa que a moça:

"Você não é oprimido."

Ela se tornou um incômodo tão grande na minha cabeça que me senti mal - com a vergonha, com o medo, com a incompreensão. Era tão grande que não soltei meu pequeno discurso de sempre. Não, me calei e saí.

"Você não é oprimido."

Todos esses anos reclamando, sendo persuadido que partilhávamos as mesmas lutas, que estávamos todos encarando o opressor para chegar lá. Foi um choque sagrado, quando penso nisso.

Creio que isso começou quando pude formular o seguinte: "sou um homem branco, hétero, cis e de alta classe". Há uma questão que se sucede: "Mas quem me oprime, realmente?". Procurei bastante, refleti bastante, e percebi o óbvio. "Ninguém". Não sei qual é o caso para os outros homens brancos, héteros, cis e de alta classe, não conheço nada além da minha situação, mas a mim, ninguém oprime. Não. De verdade. Eu estou bem.

Ah, com certeza, o patriarcado, por exemplo, me incomoda mais do que deveria. Claro, com certeza, sou confrontado com obrigações de performance. Com certeza, não devo mostrar minhas emoções porque boys don't cry. Claro, fui muito azucrinado durante a infância e a adolescência por ser uma negação com a bola (sempre fui), porque eu era o nerd de todas as classes que frequentei (não consigo escapar disso), porque eu era tímido (ainda sou), e porque eu não listava minhas conquistas femininas (não há ninguém, além de uma pessoa, que me interessa neste mundo). Houve até mesmo um cara que tirou sarro de mim em um restaurante, porque me entusiasmei demais com uma mousse de chocolate (eu adoro chocolate). Ele disse "parece uma menininha". Naquele momento, me irritei.

Se eu procurar bastante, posso até mesmo encontrar os casos onde foram as mulheres que me incomodaram desta maneira. Quando eu era adolescente, muito mais retraído do que hoje, ignorante das modas, inapto ao universo escolar sem originalidade, sempre houve meninas para me atormentar. E, sem dúvidas, para me rejeitar. Já vi caras se queixarem de "misandria" por coisas desse tipo. [Esta é] uma palavra que encontramos com facilidade por aí. Dizer que os homens se aproveitam da dominação sobre as mulheres? Misandria. Dizer que os homens não são oprimidos? Misandria. Não querer escutar um homem reclamando que é difícil ser homem num mundo de mulheres? Misandria. Sugerir que os homens são menos oprimidos que as mulheres? Misandria. As mulheres não querem sair com um homem? Misandria.

"Você não é oprimido."

Sim, eu sofri, e às vezes sofro por causa das normas de gênero. Mas isso não muda em nada o problema: ninguém me oprime. Ainda que eu sofra, ninguém lucra com isso. Em que medida as gozações que sofri no ginásio e no colégio por parte das garotas melhoraram a condição feminina? Em nada. Em que medida a obrigação masculina de arrolar as conquistas sexuais é benéfico às mulheres? Em nada.

Todas essas situações lamentáveis que pude viver [ocorreram] porque não me conformei, pelo menos não o tempo todo, com o meu papel de dominador. Elas são os custos da dominação masculina. Mas, precisamente, o custo é o seguinte: há algo a ganhar em troca. Estes custos são, antes de tudo, um preço: se me conformo a eles, ganho todas as vantagens de ser um dominador. Ganho a admiração alheia, o acesso a certos círculos, até mesmo o simples direito a ser ouvido. E, ainda assim, para [ganhar] muitas dessas coisas, não tive de fazer nenhum esforço. Para ser considerado alguém sério, ponho um terno e uma gravata, e ninguém se interessará por minhas roupas. Claro, não tenho liberdade de ir ao trabalho de saia ou de bermuda florida. Mas em troca dessas restrições, ganho credibilidade, legitimidade, poder.

E isso não tem nada a ver com aquilo que os oprimidos vivem. Quando se é oprimido, se está precisamente na situação em que se deve pagar um preço sem obter nada em troca, ou ser pago em dinheiro de mentira. Uma mulher que aceita jogar o jogo da feminilidade e se maquia de maneira perceptível (além disso, ela adora maquiagem, é divertido)? Ela sempre terá um babaca para lhe incomodar - "Ei, se você não quer ser incomodada, você não pode chamar a atenção". Ela deixa de fazer algo que ele gosta e aceita não se maquiar? "Ei, você não é feminina, você não se cuida, você não está bem, você está feia assim".

"Você não é oprimido."

E esta é a opressão, um jogo que mesmo quando você respeita as regras, você não pode ganhar. Poderíamos dizer a mesma coisa do racismo (mesmo que um cara me chame de "branco sujo" um dia, isso não me impede de ter acesso a um emprego), da sexualidade (se tenho medo que me tratem como um "veado" por não me vestir de maneira não muito "hétero", são os homossexuais que são oprimidos, não eu), ou mesmo da classe social (a exploração da mais-valia interessa a quem, em sua opinião?).

Sim, porque não apenas ninguém me oprime, mas além disso eu me beneficio da opressão alheia. Não concordo, acho vergonhoso e sou politicamente contra, mas possuo ainda assim uma vantagem prévia sobre minhas concorrentes femininas quando se trata de arranjar um emprego... E isso não é nada além da ponta do iceberg. Não sou oprimido, mas além disso, sou o opressor.

Vi muitos homens que se colocam a questão de qual é o seu lugar no feminismo. Faço parte deles. Refletimos sobre o que fazemos nele, reclamamos que não é fácil, discutimos sobre nós, nós, nós. Tentamos mostrar que somos gentis. E ocupamos muito espaço. Acima de tudo, o espaço da discussão. Talvez devamos procurar menos sobre qual é o nosso lugar em um movimento feminista que não nos esperava, e um pouco mais sobre qual é o nosso lugar no patriarcado. E a resposta é que nós somos os opressores.

"Eu não sou oprimido."

Não, sério, eu estou bem. Então, vamos falar um pouco de você?
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Texto original (em francês)

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[Tradução] O Pavilhão Alemão e a Fama

Você quer ser famoso?

Em 1928, o arquiteto Mies van der Rohe recebeu uma comissão para desenhar um pavilhão que representasse a República de Weimar na Exposição Internacional de Barcelona de 1929. O edifício acabou por ser reconhecido, com justiça, como a mais eloquente definição daquilo que, mais tarde, seria agrupado dentro do Modernismo, [definindo-o como] algo na linha de 'Não apenas fazer muito mais com muito menos, mas tornar-se tão bom nisso a ponto de se poder trilhar um caminho para fora da desorientação e da perversidade que corroem a vida moderna, que fora dessas situações é repleta de conveniência e recompensa sem precedentes'.

O pavilhão foi desenhado para não ter portas e ser feito, em sua maior parte, de vidro. Este edifício era otimista, de quase todas as maneiras que um prédio poderia ser, quanto ao século que gostaria de prever. As evidências de opressão classista que grandes casas possuem, como escadas para funcionários ou cozinhas no porão, inexistiam. Paredes vazias, nas quais evidências de riqueza poderiam ser penduradas, foram substituídas por janelas. A realidade é o objeto com o qual as paredes transparentes forçam um confronto com a sua atenção. O pavilhão até mesmo se despe de conceitos como 'frente' e 'fundos': sem um lado no qual é possível projetar como deseja-se ser visto, a duplicidade [de posturas] é mais complicada do que simplesmente ser honesto. Este prédio espera que, sem nada para esconder-se, as próprias ideias de sigilo e malícia tornarão-se incômodas demais para existir.

Mas mesmo no próprio templo do encanto, havia um local no pavilhão que mostrava uma sombra terrível do século XX: após o salão principal havia um espelho d'água, e no meio do espelho jazia uma estátua de uma mulher nua. A escolha de colocá-la em um local intransponível para todos aqueles que olham para ela é uma definição elegante, assim como todo o resto do prédio, mas aquilo que é definido é hediondo. O fato de que a estátua fora retirada de um ponto central e colocada em uma posição que permite apenas um ponto de vista é um exemplo de algo que nossa era fez em escala industrial: a redução de volumes a imagens. Uma estátua, por definição, preenche um volume, mas limitar nossa perspectiva achata-a, restando somente uma imagem.

O ato de reduzir a liberdade de enxergar sob a perspectiva que melhor se adeque a você a uma única opção é tão antiga quanto o mito [platoniano] da caverna, onde estátuas eram reduzidas às suas sombras. Mas o pavilhão prevê que este processo virá a dominar tudo que a estátua representa: arte, distração, beleza e, eventualmente, as próprias pessoas. Todos nós compraremos, favoreceremos, amaremos e apreciaremos de uma distância intransponível. Seremos segregados de tudo que admiramos e de tudo aquilo que queremos, pois somente imagens nos são apresentadas, e sua natureza plana não permite sua apreensão completa.

Acima de todos os outros exemplos deste processo está a fama. Se somos iludidos pela publicidade a comprar uma ilusão, desejar ser famoso é desejar tornar-se a ilusão. É um desejo que confunde isolamento com raridade, solidão com excepcionalidade, e distância com elevação. É a conquista coroada de uma campanha de cem anos de duração cujo objetivo é corrigir qualquer aspecto de estar vivo que exija uma expressão complexa e irredutível de humanidade.

Então, não. 

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Tradução livre deste texto que parte da análise arquitetônica para chegar a uma discussão sobre as armadilhas existenciais da fama.

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[Tradução] Viagens à Lua e Espiritualidade

"Bem, você obviamente deve odiar a espiritualidade. Esta palavra normalmente se refere a alguém utilizando o mundo espiritual como rejunte para preencher uma falha em si próprio: por exemplo, um cara encalhado de cinquenta-e-poucos-anos, com o rosto parecendo uma moeda gasta, subitamente temendo a própria morte e que por conta disso se matricula em uma aula sobre deusas em uma uniesquina da vida. A espiritualidade não flui dessa maneira. Ela está cagando e andando para você. Estamos no fluxo dela, e mesmo que sonhemos com rodas d'água para controlar este fluxo, não há um porto seguro ao qual se ancorar. Na maior parte do tempo, ignoramos o fato de que rumamos ao local ao qual ela vai. Isto torna a nossa condição invisível para nós mesmos.

Em situações raras, nossa condição se faz visível. Nestes momentos, ficamos desamparados, e irresistivelmente atraídos. O Programa Apollo é um bom exemplo disso.

Todos pensavam que John Kennedy, Lyndon Johnson e Richard Nixon estavam gastando quatro-e-meio porcento do orçamento federal estadounidense anualmente para provar que os Estados Unidos eram donos da Ciência.

Isso tudo é uma ficção.

O Programa Apollo foi uma demonstração elaborada de como mesmo o mais insípido entre nós está sob o jugo do espírito.

A NASA precisava de astronautas para botar uma bandeira na lua. Por razões óbvias, os astronautas eram do tipo mais confiável de homem que os EUA produzem: brancos, héteros, evangélicos caretas, da centro-direita, frutos da união entre ciência e exército. Cada um deles era o coração do coração do povão norte-americano.

Mas então eles foram atirados ao espaço, livrados da gravidade deste planeta, em direção a duzentos e cinquenta mil de quilômetros de vazio, para serem agarrados pela lua após três dias. Dezoito caras fizeram isso; doze deles foram mais a fundo, para descobrirem que poeira lunar tem cheiro de pólvora.

Cada um deles voltou inegavelmente mudado.

Os EUA mandaram os filhas-da-puta mais quadrados que conseguiu encontrar à lua, e a lua devolveu seres humanos. Neil Armstrong tornou-se professor, e depois fazendeiro. Alan Bean tornou-se pintor. Edgar Mitchell começou a acreditar em OVNIs, além de conseguir cristalizar, em texto, a experiência de ver seu próprio planeta de uma vez só:

'Você desenvolve instantaneamente uma consciência global, uma orientação coletiva, uma insatisfação intensa com a situação do mundo, e uma compulsão por fazer algo a respeito disso. Lá da lua, a política internacional parece muito mesquinha. Dá vontade de pegar um político pelas pelancas do pescoço, arrastá-lo duzentos e cinquenta mil quilômetros pra fora e dizer 'Olha isso aqui, seu filho-da-puta'.

(Fonte: People, 08 de Abril de 1974)"

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 Tradução livre deste texto para português, que levanta uma das contribuições mais curiosas que Neil Armstrong, primeiro homem a pisar na lua e falecido célebre de ontem, trouxe à humanidade.

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Asterios Polyp: Arte (d)e Narrativa

PREMISSA PARA ROTEIRO. Após evento fortuito e inesperado, homem que parece ter tudo na vida perde tudo e, face aos horrores que lhe restaram após a recém-acontecida tragédia, vai para longe, até onde seu dinheiro lhe permite, para viver uma vida que nunca cogitaria viver antes. Ao mesmo tempo em que tenta deixar o passado para trás, homem busca nesse processo de reinvenção o sentido de sua própria vida, em uma mal-disfarçada tentativa de encontrar a si próprio em meio a anseios de redimir-se por erros de outrora que parecem inescapáveis. Homem, após ter de encarar de frente suas angústias, sofrimentos e, princpalmente, o seu próprio orgulho, descobre na mudança da personalidade a solução não de todos, mas de vários de seus problemas.

Vamos convir: essa não é uma premissa das mais originais para se escrever uma história.

Isso não impede, porém, que obras magistrais possam ser desenvolvidas a partir desta proposta, reinventando-a e mostrando que os limites da arte se dão verdadeiramente nas execuções infinitas de uma mesma ideia, bastando apenas uma execução suficientemente criativa dela.

Asterios Polyp (David Mazzucchelli, Cia. Das Letras, 2009, primeira reedição em 2012), um volumoso calhamaço de quase 400 páginas coloridas de quadrinhos, não faz parte do panteão de obras que se propõe a pegar essa proposta de narrativa e reinventá-la. Muito pelo contrário, a fórmula é seguida à risca, com muito pouco espaço para o desenrolar de um certo tipo de história que, com certeza, já vimos antes.

Por que, então, esta é considerada a magnum opus de David Mazzucchelli, mais até do que trabalhos mais conhecidos do mesmo autor como Batman: Ano Um e Demolidor: Renascido, nos quais personagens clássicos tem as suas carreiras reinventadas e suas histórias recomeçadas de um ponto de partida original, que rompe com outras leituras do mesmo? Por que uma das premissas mais recontadas da história, sem nenhum tratamento digno de nota, é reconhecido por diversos veículos como um dos quadrinhos mais inovadores dos últimos anos?

O estatuto concedido a esta obra se dá, principalmente, porque Mazzucchelli arrisca fazer algo que, no passado, muitos artistas falharam tentando: o foco dele é na forma de fazer quadrinhos, e não no conteúdo narrativo contido nos mesmos. Ao contrário do que normalmente acontece, isso não significa que isso desmereça a obra, pelo contrário: ao invés de se colocar somente como um deleite aos olhos e nada mais, a arte de Asterios Polyp é, antes de tudo, um convite a se afundar mais e mais no roteiro, colocando na obra todos os não-ditos, pressupostos, reflexões e demais elementos responsáveis por tornar os personagens profundos e a história, cativante.

A arte opera dessa maneira incrível de várias maneiras: a que mais se sobressai é a estilização de cada um dos personagens, que em primeiro lugar tem todas as suas falas e pensamentos escritos em fontes distintas uma das outras - essa mudança estilística, irrelevante à primeira vista, é um primeiro sinal ao leitor para que a individualidade de cada personagem, por menor que seja, seja estabelecida tanto na narrativa quanto na sua mente. Esta mesma postura de desenvolvimento dos personagens a partir da arte acontece de maneira mais impactante quando a história entra no plano de análise subjetiva de cada um deles: são todos (todos!) desenhados de maneiras distintas, de maneira a ressaltar características psicológicas e personalísticas que, se o único meio utilizado fossem as palavras, não seriam colocadas de maneira tão contundente e chamativa. A arte, nesse sentido, coloca tudo que o texto não coloca sobre a personalidade de cada uma das pessoas com as quais Asterios cruza durante sua jornada de auto-conhecimento: a partir dessa base, a mente do leitor se encarrega de fazer o resto do processo de construção dos personagens.

Mais do que colocar em evidência o pequeno universo artístico que cada personagem carrega em si, Mazzucchelli se utiliza da arte também para colocar uma questão que, com menos sensibilidade, é tratada de maneira simplista e muito pobre: o choque entre visões de mundo de duas pessoas muito diferentes entre si. O contraste visual entre estilos de arte gritantemente diferentes, junto à simplicidade dos balões de fala/pensamento, geram uma maneira de comunicar, durante a narrativa, os momentos de tensão e conflito entre as partes envolvidas, deixando o conflito implícito ou explícito conforme os elementos narrativos de cada página se coordenam entre si para desenhar cada elemento do roteiro.

       

Além de servir como instrumento narrativo, o contraste entre estilos de arte muito diferentes entre si coloca, em diversos momentos, uma questão que gera muitos debates: quando cada um de nós é inescapavelmente único e singular em seu âmago, é possível que essa unicidade/singularidade seja compartilhada, ou até mesmo compreendida, pelos outros seres únicos e singulares que nos cercam? Asterios Polyp dá uma possibilidade de solução para esta pergunta, e também dá pistas para que o leitor chegue às suas próprias conclusões, sem que para isso precise que a graphic novel leve-o pela mão até elas.

                                       

Obviamente, além de questões levantadas pela arte, a graphic novel não se resume ao roteiro-modelo colocado no início desse texto: a história possui alguns outros pontos levantados, a maior parte deles referente à construção da personalidade de Asterios, o personagem principal, mas não é possível falar dos mesmos sem que isso revele detalhes importantes da história. Se a descrição inicial da história sugere falta de profundidade, não se engane: ainda que não seja extremamente complexa e envolva diversos planos de narração, esta história em quadrinhos apresenta uma história sólida e envolvente, que vale muito a pena ser lida.

Em suma, Asterios Polyp reconta uma história que você já ouviu antes, mas dentro dos limites dela, faz coisas incríveis, singelas e bonitas, com alta carga emocional e que invariavelmente se comunicam com histórias que já ouvimos (e passamos) antes. Por conta de sua arte incrível, cada leitura permite novas reconstruções de cada um de seus personagens e eventos, bastando para isso apenas um novo olhar e análise para cada cena que o delicado jogo entre palavras e imagens coloca em cada folha de papel. Na opinião deste que vos escreve, é simplesmente uma história de quadrinhas imperdível, que reafirma o estatuto de arte concedido às histórias sequenciais e escapa de praticamente todas as soluções fáceis que esta forma artística normalmente propõe e não se deixa escapar.

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[Tradução] Nos Divertindo Até A Morte

Discussões sobre o impacto midiático, sobre o comportamento e o pensamento humanos e da chamada media ecology (tradução grosseira: ambiente midiático) ocorrem com certa frequência atualmente: em geral, tratam-se de discussões e ensaios que buscam expor, de uma maneira ou outra, como os grandes instrumentos de veiculação de informações (em especial a internet) podem colocar tanto um brilhante futuro de democratização cada vez mais massiva e efetiva dos meios de informação das pessoas, ou então como a decadência dos antigos instrumentos de veiculação (em especial a mídia impressa) conjuntamente aos problemas ignorados dos novos veículos, que acabarão por gerar uma sociedade em que a quantidade de informações é mais importante que sua qualidade, o que resulta em uma sociedade onde todos tem conhecimento, mas muito pouco dele.

Independente da visão que esses debates procuram colocar, a impressão que fica é que esse tipo de discussão só surgiu após o advento da internet, que evidenciou em escala exponencial as potencialidades positivas e negativas de um veículo midiático relativamente barato e de fácil acesso: com tamanho impacto sobre a sociedade, fica difícil não surgir um sem-número de análises que procuram dizer se o impacto da internet sobre o mundo dá a ela o papel de messias ou de precursor do fim-do-mundo.

Este debate, porém, é mais antigo do que se pressupõe: o título de "veículo midiático que mudou o mundo e a maneira de se relacionar com as informações que possuímos" não é exclusividade da internet. Mais: as questões que ele coloca continuam praticamente as mesmas, apesar da passagem do tempo.

Abaixo, segue a tradução livre de um dos textos pioneiros sobre essa discussão: ele é da autoria de Neil Postman, um dos discípúlos de Marshall McLuhan - pai da máxima "o meio é a mensagem" e importante guru dos estudos de mídia e comunicação social. O texto foi escrito como um prefácio do livro Amusing Ourselves to Death (Nos divertindo até a morte), que se dedica a descrever duas possibilidades disópicas em relação ao impacto que a televisão poderia ter sobre a sociedade com base nos olhares de Aldous Huxley e George Orwell, mas o texto envelheceu muito bem e pode ser considerado como um olhar interessante sobre a sociedade atual.

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Estávamos prestando atenção em 1984. Quando ele chegou e a profecia não se concretizou, americanos pensativos se deram o direito de elogiar a si mesmos calorosamente: as raízes da democracia liberal se mantiveram firmes e, enquanto terrores aconteciam em outros lugares, os EUA ao menos não haviam sido visitados por pesadelos orwellianos.

Nos esquecemos, porém, que além da visão sombria de Orwell, havia outro ponto de vista - ligeiramente mais antigo, ligeiramente mais obscuro, mas igualmente assustador: aquela colocada por Aldous Huxley em Admirável Mundo Novo.

Ao contrário do que o senso comum dita até mesmo entre os mais intelectualizados, Huxley e Orwell não descreveram a mesma coisa: Orwell alerta que seremos subjugados pela opressão imposta de maneira externa, mas na visão de Huxley o Grande Irmão não é necessário para privar as pessoas de sua autonomia, maturidade e história. Na visão de Huxley, as pessoas acabarão por amar seus opressores e adorar as tecnologias que desfazem as suas capacidades de pensar.

Orwell temia aqueles que desejavam banir livros; Huxley temia que não haveria razão para banir livros, já que não haveria ninguém desejoso de lê-los.

Orwell temia aqueles que desejavam privar as pessoas da informação, enquanto Huxley temia aqueles que nos dariam tanta informação que seráimos reduzidos à passividade e ao egoísmo por conta disso.

Orwell temia que a verdade fosse escondida de nós; Huxley temia que a verdade fosse sufocada em um mar de irrelevâncias.

Orwell temia uma cultura que é refém constante de uma única pessoa, enquanto Huxley temia uma cultura trivial, obcecada com entretenimento, hedonismo e lazer.

Como Huxley comentou na edição revisada de Admirável Mundo Novo, os movimentos pela liberdade e intelectuais que estão sempre alertas para se opor à tirania não levaram em conta o apetite quase infinito dos homens por distrações.

Em 1984, Huxley comentou, as pessoas são controladas pela administração da dor; em Admirável Mundo Novo, elas são controladas pela administração de prazer.

Em resumo, Orwell temia que aquilo que odiamos seja a causa de nossa ruína; Huxley temia que aquilo que amamos seja a causa de nossa ruína.

Este livro é sobre a possibilidade de que Huxley, e não Orwell, tenha acertado.

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Sob o Signo da Precariedade

Em tempos de crises políticas em Londres, Chile, Espanha e muitos outros locais, o adjetivo "orwelliano" é evocado para dar força ao comentário político: nas situações de exceção que se colocam, os governos acabam por tomar ações totalitárias e antidemocráticas que, invariavelmente, carregam o ranço das distopias totalitárias criadas por Eric Blair (o nome verdadeiro de Orwell) em obras como "1984" e "A Revolução dos Bichos", nas quais o controle sobre os indivíduos em nome da manutenção e perpetuação do sistema em que todos se encontram é levada às últimas consequências. A atualidade de Orwell, nesse sentido, é assustadora: diagnósticos feitos pelo escritor há mais de 50 anos continuam atuais e cheios de vigor, conseguindo explicar a nossa realidade tão bem quanto explicavam a realidade de Orwell na primeira metade do século passado.

O problema é que a fama e a presença de "1984" e "A Revolução dos Bichos" acabou por eclipsar o autor de maneira terrivelmente grande: o vínculo entre Orwell e totalitarismo é praticamente automático, e muitas vezes isso acaba deixando à sombra trabalhos dele que são igualmente brilhantes e possuem tanta atualidade e relevância para os dias de hoje quanto os dois pesos-pesados que são responsáveis pela maior parte da procura pelo autor atualmente.

Dentre esses livros, Na Pior em Paris e Londres é, talvez, o que receba menos atenção de todos. O primeiro livro publicado de Orwell e um dos três de sua produção literária que não cai no ofício pelo qual ele é mais conhecido - ficções que gritam muito sobre incongruências e monstruosidades bem reais que as pessoas não gostam muito de olhar - é uma autobiografia romanceada, que conta as desventuras de um jovem Eric Blair nas duas capitais européias acima citadas.

A primeira metade do livro passa-se em Paris, e dedica-se a contar como Orwell, após ter praticamente todo seu dinheiro roubado por um dos moradores do albergue em que residia, sobrevive a cada dia com quantidades vergonhosamente pequenas de dinheiro (e dignidade) após ser jogado na pobreza. A fome, a sujeira e a decadência são companheiras constantes do jovem inglês que roda o submundo francês e tenta tirar seu sustento das mais variadas maneiras possíveis, até encontrar um emprego como plongeur (lava-pratos) no restaurante do Hotel X, um local de renome de Paris. Uma fonte de renda fixa e a garantia de uma refeição decente por dia transformam-se no grande sonho do jovem inglês naquele momento. Mais tarde, Orwell acaba sendo empregado em um outro restaurante chique de um amigo, em uma posição semelhante a de lava-pratos: de qualquer maneira, uma fonte de renda estava assegurada e ele não é mais obrigado a viver do dinheiro advindo de roupas pessoais penhoradas, o que foi uma grande mudança no seu estilo de vida.

É quando Orwell sai das ruas e deixa de ser um indigente, passando a fazer parte da classe D parisiense, que um dos lados menos conhecidos dele surge: a crítica social potente, que não se aplica apenas ao totalitarismo e faz com que elementos da sociedade entrem em questionamento.

A riqueza e luxo do Hotel X e do restaurante são somente aparências, apesar dos preços altíssimos sugerirem o contrário: por trás das portas em que somente funcionários entram, a sujeira e a desordem imperam, em claro contraste à assepsia e ordem imponente do hotel e do restaurante. Esta impressão de luxo é mantida pelos plongeurs e outros trabalhadores menores do restaurante e do hotel, que levam uma vida praticamente escravizada com salários de fome para assegurar que todos os pequenos luxos, como poder jantar às três da manhã, tomar café-da-manhã na cama ou o ambiente impecável e acolhedor, possam acontecer para todos os clientes desses estabelecimentos. O tempo livre disponível nesse tipo de rotina é tão pequeno que o trabalhador não tem tempo nem de se indignar com a situação na qual se encontra: o próprio Orwell diz que sua vida, nesse momento, resume-se a trabalhar feito um escravo, dormir, começar a beber no sábado de manhã e parar somente domingo de madrugada, para então descansar e poder voltar ao ponto inicial.

A crítica do autor à estrutura que permite e incentiva que exista um "mercado do luxo" ao mostrar os prejuízos humanos que são necessários para que ele seja viável é feita de maneira crua, sem meias palavras: em resumo, uma camada inteira da sociedade é relegada a um estilo de vida simplesmente desumano para que uma série de serviços que no máximo possam ser descritos como extravagâncias possa ser oferecida a uma camada social privilegiada e restrita. Não é um diagnóstico leve, e ele é válido até hoje para uma série de atividades e serviços cuja finalidade é igualmente questionável.

Orwell poderia parar por aí, tendo já elaborado uma potente crítica contra a desigualdade na sociedade contemporânea, mas o livro continua.



Na segunda parte, após receber a oferta de um trabalho melhor em Londres através de um amigo, o autor deixa a capital francesa. Porém, chegando em Londres sem um tostão no bolso, ele descobre que deverá aguardar a família para quem trabalharia voltar de uma viagem para conseguir o referido emprego. Completamente destituído de todos os seus fundos após atravessar o canal da Mancha, Orwell volta à situação de pobreza extrema que conhecera na França, mas com um agravante: ele não encontra um subemprego que garanta uma ilusão mínima de dignidade material à sua vida, e mergulha de maneira inescapável na mais miserável mendicância enquanto espera os seus futuros empregadores voltarem.

Se a vida parece ruim enquanto parte da grande massa dos semiescravos parisienses, o autor faz questão de mostrar que a vida de mendicância nas ruas londrinas simplesmente não possui caráter de redenção algum: graças ao pouco gentil inverno inglês, Orwell é obrigado a dormir em abrigos e albergues de mendigos, mas é obrigado a andar muitos quilômetros em busca de novos abrigos a cada noite graças a uma lei inglesa que prende aqueles que se hospedam no mesmo albergue mais de uma vez por mês. Além disso, há o problema dos albergues abrirem somente em horário predeterminado, o que faz com que a massa de pedintes e destituídos simplesmente não tenha outra opção a não ser esperar, da maneira que for possível, para que possam se abrigar.

Perdendo quase todo os seus dias entre esperas para os abrigos abrirem, caminhadas longas e extenuantes em busca do próximo albergue e do próximo resquício de alimentação e dinheiro que pode encontrar, com o desgosto dos cidadãos menos miseráveis e a violência policial aparecendo como eventuais temperos para o tédio da vida mendiga, Orwell acaba conhecendo praticamente um sem-número de outros mendigos, todos eles representando um lado extremamente cruel e desesperador da sociedade moderna: um exército humano de incontáveis pessoas, todas mantidas em um estado de extrema precariedade porque é muito menos custoso para as sociedades que eles se mantenham assim do que empreender um esforço hercúleo de tirá-los das ruas e reinseri-los na sociedade. Frente a esta situação, o autor não tem pudor nenhum em dizer que qualquer um nesta situação simplesmente não consegue sentir gratidão por qualquer coisa que receba daqueles que querem ajudá-lo, e que a falta de atividade desses homens é plenamente compreensível: quando a sua vida se resume a caminhar quilômetros a pé em busca do próximo abrigo, todas as suas últimas refeições foram pão com margarina e chá dados de graça nesses abrigos e ninguém parece minimamente interessado em retirá-lo dessa vida para sempre, dispõe-se de muita pouca energia para além do instinto de sobrevivência, e é difícil sentir qualquer tipo de identificação com aqueles que não estão nessa situação.

O que Orwell mostra em "Na Pior em Paris e Londres" não é aquilo que o tornou famoso, mas sim algo muito pior e muito mais próximo de nós do que disopias onde o indivíduo vale menos que o sistema: ele mostra que as sociedades bem reais em que que o homem contemporâneo vive só prosperam sob o signo da precariedade humana, já que se estabeleceu um sistema em que milhares de indivíduos valem pouco mais do que nada e ainda por cima são simplesmente ignorados ou esquecidos frente àquilo que sua miséria concede em termos de riqueza material e/ou social aos que não estão em situação humana precária.

Perto de uma realidade dessas, que ainda existe e não dá sinais de desaparecer nunca conforme a urbanização corre desenfreada pelo mundo, o Grande Irmão e o governo do porco Napoleão são pouca coisa: ao contrário daquilo que é descrito em "1984" e "Revolução dos Bichos", o inferno humano que Orwell descreveu é bem real, e fingimos que ele é uma ficção a todo momento para não ter de encarar a sua dolorosa existência.

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Vinho: embriaguez

Sempre esteja embriagado.
Só ísso.
É a única questão.
Para não sentir o terrível fardo do Tempo,
que fere seus ombros
e que te joga à terra,
embriague-se sem cessar.

Mas de que se embriagar?
De vinho, de poesia, de virtude, à sua escolha.

Mas embriague-se,
E se em algum momento,
nas escadarias de um palácio,
sobre a verde grama de um fosso,
ou na morna solidão de seu quarto
você despertar,
a embriaguez já diminuta ou ausente,
pergunte ao vento,
à onda,
à estrela,
ao pássaro,
ao relógio,
[...]
pergunte que horas são,
e o vento,
a onda,
a estrela,
o pássaro
e o relógio responderão:
'É hora de embriagar-se!
Para não ser um mártir escravo do tempo,
embriague-se,
embriague-se sem cessar!
De vinho, poesia ou virtude, à sua escolha.'

~ Charles Baudelaire, "Enivrez-vous", tradução livre.

Charles Baudelaire já dava a dica no século XIX: não são os aromas de carvalho, cravo, baunilha ou couro que nos atraem no vinho, muito menos o seu potencial para realçar sabor de carne vermelha ou relacionamentos com pessoas que acham que vinho é combustível do romantismo - o grande atrativo das uvas fermentadas em formato líquido é o entorpecimento e a embriaguez, dois termos que entre muitas coisas descrevem o estado de espírito em que, normalmente, o tempo é a última preocupação dos homens.

Desprovidas do desagradável sentimento de estarem a cada momento mais próximos da não-existência e dos problemas que se colocam conforme as coisas não ficam paradas, as pessoas acabam ficando com mais tempo para atividades prazerosas e sublimes que seriam de difícil execução quando sóbrias - como por exemplo a expressão de seus sentimentos e ideias mais interiorizados e de mais difícil expressão a partir do que se convencionou chamar de "arte".

[Nota: muitas pessoas preferem fazer essa expressão daquilo que está interiorizado e reprimido sob camadas de racionalidade e reflexões bem-construídas a partir dos conhecidíssimos "diálogos/declarações/ações de bêbado". Estes costumam ser muito mais comuns e devastadores do que a expressão artística no que diz respeito a passar mensagens e expressar sentimentos, mas infelizmente não são o foco deste blog.]

Não é difícil entender o porquê da arte estar tão ligada ao vinho e outros produtos da atividade humana que se liguem à embriaguez e outras atividades que deformam a percepção normal de uma pessoa: às vezes, é somente a partir de uma percepção do real deformada pelo álcool e outras coisas que conseguimos enxergar possibilidades de expressão que ficam ocultas a nós na opressiva e concreta realidade racional e estável expressa pelos sentidos quando estes estão em pleno funcionamento. A arte, mediada pela embriaguez, é uma maneira de mostrar esses aspectos ocultos e inéditos do real, abrindo mais possibilidades dentro dele. É uma interessante contradição que a arte embrigada coloca, sob esse ponto de vista: a realidade se abre um pouco mais a nós justamente quando fazemos um esforço consciente para ficarmos distantes dela e expressarmos essa irrealidade de alguma maneira.

Dito tudo isso, o que você está esperando para se embriagar - de vinho, poesia ou virtude, à sua escolha?

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Explosões Dinâmicas - Fotografia e Arte

A fotografia é um campo relativamente controverso da arte, por normalmente exigir uma série de explicações para que se justifique qualificar uma foto como arte e a foto que se tira da família como algo mundano, que vez ou outra acabam caindo no interminável e trabalhoso debate sobre o que caracteriza os trabalhos de uma determinada mídia como sendo arte ou não. Os trabalhos de Martin Klimas, porém, são rápidos em dispensar explicações e deixar muito claro que a fotografia é uma arte tão válida quanto a pintura ou a escultura.



Klimas especializou-se em fotografar objetos frágeis em queda, mais especificamente registrando o exato momento em que tais objetos acabaram de se partir em muitos fragmentos após atingir o chão: como o título da postagem diz, a fragmentação dos objetos é capturada em filme como uma explosão dinâmica, que concede movimento e intensidade a um ato que, sem a câmera, nunca poderia ser vista a olho nu.

É digna de nota a característica mais importante da explosão dinâmica: ela existe por um único instante, e é impassível de ocorrer da mesma maneira mais de uma vez - cada escultura se parte de maneira diferente ao encontrar o chão, e os fragmentos percorrem diferentes trajetórias e desenham "estruturas" diferentes graças a isso. Os trabalhos de Klimas, nesse sentido, apresentam uma interessante contradição: são muito efêmeros, por consistirem em um único instante que ocorre graças a inúmeras variáveis aleatórias, mas ao mesmo tempo são eternos, já que foram registrados pela câmera e podem ser reproduzidos inúmeras vezes por outros meios técnicos.



Capturando um único instante, que seria invisível ao olho humano nas condições normais, e congelando-o de maneira que as minúciais invisíveis a olho nu tornem-se detalhes muito importantes para caracterizar a imagem, a máquina fotográfica acaba por gerar interpretações e significados que nunca seriam apreensíveis sem a sua utilização. A fotografia, sob a óptica da criação de signficados que não poderiam ser expressos por nenhum outro meio técnico, acaba por se consolidar enquanto arte nas louças e cerâmicas recém-fragmentadas do fotógrafo alemão.



Veja mais trabalhos no site do autor.

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Um Marcador, Um Jornal, Uma Poesia

Austin Kleon é mais um dos milhares de escritores que a internet nos coloca em contato ocasionalmente: utilizando-se da rede para disseminar seus trabalhos, procura atingir o maior público possível para que suas mensagens não sejam só mais um artístico (e inócuo) grito para um público inexistente.

O diferencial maior de Kleon, aquilo que o torna distinto de todos os outros, não é a qualidade de sua literatura, os temas que aborda ou as polêmicas que levanta: o autor americano é interessante por subverter o processo tradicional de criação de texto, ao executá-lo somente com recortes de jornal, uma caneta marca-texto preta e a paciência para caçar palavras de tal maneira que, juntas, as palavras escolhidas façam aparecer um sentido que, anteriormente, não estava lá. O contraste entre preto e branco que se gera durante este trabalho causa um pouco de arte plástica incidental, que o autor se aproveita de maneira criativa em alguns de seus trabalhos.

O problema de Cinderela foi sentar e esperar pela fada madrinha

A princípio, esse processo quase infantil de geração de textos soa como picaretagem e mediocridade extremamente concentrados: aqui, é difícil falar em autoralidade da obra de arte para além da escolha e ordenamento das palavras, e o esforço envolvido para a criação de um texto literário é ínfimo se comparado a processos mais tradicionais de escrita. Numa primeira avaliação, é mais uma experiência artística com tudo para ser considerada pura forma, desprovida de conteúdo.

A verificação dos trabalhos, porém, acaba por quebrar essas expectativas iniciais.

Os trabalhos de Kleon são pequenas peças de literatura, que normalmente não passam de duas sentenças, mas que possuem carga emocional e significado o suficiente para que a apreciação de recortes de jornal pintados arbitrariamente de preto não seja considerada uma atividade reservada a loucos ou desocupados. O trabalho do artista, nesse caso, se dá na extração de sentidos e narrativas de um enorme banco de palavras aleatórias de tal maneira que seus significados se tornem maiores do que a mera soma das palavras escolhidas - é, em resumo, um processo de síntese que não se difere muito da produção tradicional de textos.

Em poucas palavras, seu trabalho possui as características necessárias para serem encaixados, de uma maneira ou de outra, no universo de difícil definição que se tornou a arte atualmente.

Enquanto houver uma estrada aberta, o familiar terá competidores formidáveis.

Verifique muitos outros trabalhos do autor no blog do mesmo.

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Divulgando - Virada Cultural Apresenta Programação Inusitada em 2010

Para aqueles que não conhecem, a Virada Cultural é uma iniciativa da Secretaria de Cultura da Prefeitura de São Paulo, inspirada em iniciativa semelhante de algumas capitais europeias, que tem como proposta a execução de inúmeras atividades e expressões culturais na capital do estado de São Paulo durante 24h ininterruptas. O evento é conhecido por sempre apresentar atrações de alta qualidade, pelo alto grau de variação dos programas propostos e pelo público, sempre numeroso.

A programação desse ano apresenta algumas atrações já esperadas (como os já tradicionais palcos de rock e samba). O mais curioso dessa edição, porém, são algumas adições completamente inesperadas - a Virada Cultural 2010 terá, pela primeira vez, espaços dedicados exclusivamente à cultura nerd (na chamada "Dimensão Nerd", na Praça Roosevelt) e à comunidade paulistana do body art (na Galeria Prestes Maia).

Além disso, o Cine Windsor terá uma maratona de filmes do Godzilla (sendo que quase todos não passaram nunca no Brasil), e o Cine Dom José continua com as maratonas de filme de terror, iniciadas no ano passado - a temática desse ano são os lobisomens, ao invés dos zumbis de 2009. O Cine Arouche, estreante desse ano, emplacará uma programação de 24h de musicais - incluindo clássicos obscuros, como Rocky Horror Picture Show, e grandes sucessos mainstream, como Mary Poppins e A Noviça Rebelde.

As tradicionais peças de teatro e shows musicais agora dividem espaço com práticas pouco ortodoxas, como Live Actions de RPG, apresentações de cosplay, suspensão corporal, shibari e o encontro do Conselho Steampunk, em uma inesperada mistura de cultura erudita, popular, urbana, trash, nerd e underground, surpreendendo muito na transição de uma edição a outra.

Essa programação indigesta ajuda a dar força ao evento, que mostra buscar novos públicos e novas expressões artísticas e culturais em práticas que quase sempre são deixadas de lado por serem restritas a um nicho e de serem amplamente desconhecidas entre o grande público. Ainda que não seja a prioridade, a apresentação dessas diversas manifestações de cultura alternativa são louváveis - tanto para variar as atividades da Virada, quanto para mostrar que há sempre muito mais para conhecer e apreciar do que aquilo que o senso comum coloca como cultura e arte.

À organização do evento, os parabéns por planejarem uma programação que ao mesmo tempo que consolida as atividades que deram o formato geral da Virada, ainda por cima abre espaço para novas expressões culturais, buscando a apresentação e popularização entre o público tradicional de atividades e demonstrações culturais que hoje são restritas a certos nichos, mas que possuem tanta validade e capacidade de expressão quanto as artes mais consolidadas e tradicionais.

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Guia Básico da Arte, Capítulo I: As Seis Formas da Arte [Parte I]

Antes de se falar sobre arte e afins, é bom fazer alguns esclarecimentos, e o objetivo dessa postagem e de outras que portem esse título é fazer justamente isso - limpar o meio de campo para entender melhor o que diabos estamos falando aqui.

Na primeira postagem, a abordagem de um tema velho, mas recorrente, que vem da famigerada expressão "sétima arte", utilizada de maneira exagerada por pessoas, publicações e afins para designar o cinema - se o cinema é a sétima, quais são as outras seis, que nunca ouvimos falar por aí? E que papo é esse de "oitava arte" (fotografia) e "nona arte" (histórias em quadrinhos) que só meia dúzia de pessoas gosta de falar?

Para isso, temos que voltar a um dos grandes nomes da filosofia moderna (séc. XVIII e XIX), um dos mais incompreendidos até hoje (parte disso é culpa do próprio autor, que não fazia questão de ser claro na sua maneira de escrever e nos raciocínios que fazia) e o criador da hierarquia de artes da qual o cinema seria a mais recente - George Wilhelm Friedrich Hegel, membro do quarteto fantástico do Idealismo Alemão e parceiro da dupla dinâmica Hegel-Kant do Iluminismo Filosófico.



"Mas por que vou estudar esse cara ultrapassado, prolixo e que dizem pra eu não ler porque ele é de esquerda?!", os leitores podem exclamar. Por dois motivos: Hegel foi o filósofo que inventou a classificação das artes em seis formas - ou seja, é indiretamente o responsável pela criação dos termos "sétima arte" e afins. O outro é que o cara, independente de ser de direita ou de esquerda, continua ecoando nas nossas vidas de um jeito ou de outro com a sua filosofia extremamente complexa e detalhada - o que torna importante saber o que ele escreveu para descobrir o porquê de ter durado tanto e nos influenciar até hoje.

Para compreender essa classificação em seis formas, é preciso primeiramente compreender um dos temas principais da obra do alemão - a sua concepção de arte.

A arte é parte constituinte do sistema filosófico que Hegel desenvolve para a compreensão da realidade e a descoberta de seu sentido: para ele, a atividade humana e toda a sua história tendem a algo que ele chama de Ideia Absoluta - resumidamente, ela é a unidade de todo conhecimento humano, desenvolvido a tal ponto que não se pode avançar além dele, e que representa o ápice desse conhecimento; além disso, a própria vida material e biológica seria uma extensão dessa Ideia: a atividade no mundo material é guiada racionalmente por essa Ideia, através de uma "extensão" da ideia presente nos seres pensantes que o autor chama de Espírito. Complicado, não?

Fica um pouco pior agora: a arte, na visão de Hegel, seria uma das maneiras pelas quais o Espírito é capaz de compreender tanto a si mesmo quanto a Ideia da qual ele é derivado (para efeitos de curiosidade, as outras duas formas de fazer isso são a religião e a filosofia). Ela expressaria essa auto-compreensão do espírito fabricando objetos que tem como fim único esse entendimento de si mesmo, efetivamente expressando de maneira sensorial (audição, visão, tato) toda a liberdade do Espírito. A essa liberdade do Espírito, expressada de maneiras que podemos apreender através dos sentidos, Hegel dá o nome de beleza.

Para Hegel, a verdadeira arte possui esse único propósito - a criação dessa beleza, na qual é possível perceber, através dos sentidos, a liberdade do Espírito. Não há a famosíssima e vazia "arte pela arte", ou a arte revolucionária dos marxistas da teoria crítica, nem mesmo a arte como mera decoração de ambiente - a arte existe com um único propósito: possibilitar o entendimento de nós mesmos, e a expressão de si próprio da maneira mais livre (e, portanto, bela) possível.

Agora que já temos uma definição de arte, podemos tentar descobrir o que são as tais seis formas de arte. Mas isso fica pra próxima postagem - esta já ficou excessivamente longa. Até lá!

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Vale-Cultura - Uma Discussão

Para quem não sabe, o Vale-Cultura é uma iniciativa do Governo Federal que se propõe a beneficiar uma parcela da população brasileira que teria seu acesso à cultura bloqueado graças aos custos um tanto proibitivos da cultura em nosso país. Nas suas etapas finais, o sancionamento da lei que o estabelece ocorrerá em Fevereiro, após votação na Câmara - passada a votação, tudo dependerá do aval do presidente Lula, que já mostrou apoio incondicional ao projeto de lei; caso aprovado, a implementação efetiva do programa está marcada para 2011. Ou seja, o vale-cultura é praticamente uma certeza nas vidas de muitos cidadãos brasileiros a partir do ano que vem.

Mas no que consiste exatamente essa medida, que causou certo furor na mídia, sendo chamada de "vale-circo" por Gilberto Dimenstein, "mais uma bolsa-esmola" entre a oposição ao governo atual, e comentários virulentos como "pão-e-circo petista", "pega-trouxa de ano de eleição", "medida governamental pra fazer o povão ver o filme do lula" no Twitter, no Orkut e em outros meios sociais?

Ideologismos emocionados à parte, vamos aos fatos sobre o Vale-Cultura. E eles estão à disposição de todos, na forma do PLC 221/09, que descreve detalhe a detalhe como é que a primeira medida de fomento de consumo cultural da história do país funciona.

Basicamente, o Vale-Cultura consiste na concessão de um vale de R$ 50 (para aposentados, o valor é de R$ 30), pessoal e instransferível, para qualquer cidadão que consiga comprovar que sua renda mensal é igual ou menor a cinco salários mínimos (R$ 2550 segundo os valores de Jan/10). Ele é distribuído pelo governo federal às empresas cadastradas no programa; estas, por sua vez, devem repassar o Vale aos seus funcionários que se enquadrem como beneficiários do projeto, que poderão utilizá-lo em qualquer estabelecimento autorizado a recebê-lo como forma de pagamento. Ou seja, somente empresas cadastradas no programa poderão aceitar o Vale-Cultura, e o governo não coloca o cadastramento no programa como obrigação.

De forma a tornar a adesão atrativa às empresas e incentivar o cadastro do maior número possível de empresas no programa, o governo oferece um desconto no Imposto de Renda de Pessoa Jurídica para aqueles que oferecerem o Vale: todo o dinheiro gasto dessa maneira pode ser revertido em abatimento do IR. Além disso, a empresa está autorizada a deduzir até 10% do valor do Vale (R$ 5,00) do salário dos funcionários beneficiados na forma de "despesas operacionais" (custos embutidos na emissão dos vales, compra de equipamento adequado, treinamento de pessoal, etc), de forma a diminuir os gastos com a implementação do programa na empresa.

O Vale-Cultura pode ser gasto somente naquilo que o PL enquadra como sendo um serviço ou produto cultural. Isso pareceria restritivo de início; porém, da maneira que se põe na lei, a definição é bastante abrangente, englobando todo serviço ou produto que possa ser incluído como sendo das artes visuais/cênicas, da literatura e das humanidades, do audiovisual, da música e dos patrimônios culturais. Isso incluiria tanto produtos e serviços culturais tidos como definições-padrão daquilo que seria cultura (teatro, apresentações musicais, cds de música, livros, idas a museus) quanto alguns que causam horror e espanto quando são chamados de cultura (jogos de videogame, livros de RPG, revistas em quadrinhos e/ou pornográficas, shows de funk, apresentações eróticas).

Deixando discussões políticas um pouco de lado, observemos alguns pontos interessantes que o projeto levanta, independente de ser aprovado ou não: ele aborda uma série de questões e elementos que, tradicionalmente, não tentamos responder, por não sermos confrontados com elas cotidianamente.

- Democratização da Cultura - O Lado Positivo. É inegável que o aumento do acesso à cultura, salvo raras exceções, é visto como um ponto positivo inegável na proposição desse projeto. Em um país cuja forma mais popular de difusão de conhecimentos continua a mesma desde os anos 50 (a televisão), não se pode negar que variar as possibilidades de contato com a cultura da população mais empobrecida é uma medida mais do que bem-vinda: isso acaba levando a novas maneiras de observar e pensar o mundo, a si mesmo e educar por vias não tradicionais uma camada da população que, por muitos anos, foi extremamente negligenciada nesse aspecto.

- Democratização da Cultura - O Lado Negativo. É também inegável, porém, a possibilidade da existência de efeitos nocivos com uma democratização irresponsável da cultura. Adorno e Horkheimer já alertavam nos mesmos anos 50 da ascensão meteórica da televisão e do rádio sobre os efeitos extremamente nocivos da popularização de produtos culturais extremamente pobres e de fácil produção, produzidos somente para serem vendidos como mercadorias descartáveis e vazias e como uma das mais eficientes maneiras de manter a população satisfeita, alheia à sua situação real e completamente sedada pelos prazeres do entretenimento. A grande questão é: o programa, por si só, já basta para resolver os problemas relativos à presença e variedade da cultura na vida das pessoas? Certamente, uma proposta que vá além da garantia de acesso é necessária para se evitar armadilhas que, a princípio, são positivas sob o aspecto da democratização mas que em seu funcionamento acabam sendo o contrário disso e agravam os problemas que o programa, a princípio, deveria resolver.

- O Que é Cultura? Talvez o ponto mais polêmico do projeto seja apresentar uma definição muito abstrata e ampla daquilo que contemplaria os serviços e produtos disponíveis à compra através do Vale. Existem defensores, os que enxergam benefícios e malefícios e detratores dessa indefinição conceitual. Ela envolve debates antigos sobre arte e cultura (os mais importantes envolvidos: elitização e qualidade vs. popularização e variedade; e popular vs. erudito); questões que, graças à sua subjetividade, não podem receber uma única resposta definitiva. É uma questão que muito provavelmente permanecerá da maneira que está, do ponto de vista do governo: tendo como ponto de partida o próprio objetivo do programa (i.e. maior acesso à cultura), faz muito mais sentido liberar o máximo possível do que impor, à força, restrições a manifestações culturais e artisticas através de uma definição de cima-para-baixo daquilo que o programa pode abranger.

Pelos pontos que levanta sobre a arte e a cultura, e ao mostrar uma maneira pela qual a sociedade e o governo podem se relacionar com esses dois assuntos, o novo projeto governamental está longe de ser mais uma bolsa assistencialista de um governo de centro-esquerda - ela é o centro de uma série de discussões interessantes sobre a sociedade, a política, nossas fontes de entretenimento, a arte e a cultura, e as maneiras pelas quais acessamos produtos e serviços que, em primeira vista, não servem para nada, mas que nos são muito importantes. Pensar e refletir sobre esse projeto é tentar solucionar o mistério da arte e da cultura, que nos aflige de diferentes maneiras conforme o tempo passa.

Tags: Fernando Mekaru , filosofia , Governo , Política

Arte: Modo de Apreciar

N. comprou um novo quadro, daquele artista novo que fez tanto sucesso que suas obras começaram a ilustrar até mesmo caixa de sabão em pó. Negociou direto com o artista, e conseguiu uma pechincha - 60 mil, por um quadro que os leilões cobrariam no mínimo 300 mil. Obviamente, deu uma festa para comemorar o tal feito para os seus amigos, colocou o quadro no centro do salão, mas chamou somente os seus amigos do pequeno círculo de intelectuais do qual fazia parte para fazer comentários sobre a obra - só pessoas suficientemente inteligentes saberiam apreciar tudo aquilo que o quadro representava.

A. tentou disfarçar o descontentamento frente àquela obra que seguia os mesmos padrões das outras dezenas de outras obras de artistas da moda, arte feita em moldes iguais com pouquíssimas características diferentes para ser feita e vendida em massa; pensou que L. estava se esforçando demais na sua tentativa de parecer culto com a compra de uma mercadoria qualquer da indústria cultural, e esquecera-se do verdadeiro potencial da arte - o potencial de despertar a consciência crítica nas pessoas e torná-las mais aptas a mudar o mundo. Decidiu não comentar nada e se concentrou no bufê para fazer o descontentamento passar.

K. maravilhou-se com as cores e formas, que denunciavam a tentativa do artista de expressar a contradição entre a maravilha e a angústia que se sente frente à vida no mundo moderno; achou que a influência oriental e nouvelle-art do artista combinavam muito bem. Parabenizou N., fez os comentários devidos e se concentrou nos canapés de salmão e no espumante pelo resto da noite.

H. gostou do retrato sócio-cultural que a obra inconscientemente denunciava, mostrando elementos da história e da sociedade na qual a obra foi concebida; era uma obra que seria muito apreciada no futuro, quando as pessoas olhassem para trás e percebessem a obra como um retrato da época na qual foi criada. Tentou passar essa ideia para N.; não conseguiu, mas ainda assim decidiu comemorar a genialidade da obra com o uísque e o presunto italiano do bufê.

O. se lamentou pela escolha do amigo: a arte, há muito tempo, perdera o seu papel principal, que era o de expressar e conservar os valores e tradições da sociedade, evitando que degenerações morais e perceptivas ocorressem com as pessoas. A arte moderna era mais um sinal da decadência dos valores da sociedade ocidental. Frustrado com esse sinal da vitória dos liberais, afogou suas mágoas no álcool e teve de sair carregado da festa.

B. decidiu não falar nada: para ele, arte era mais um dos assuntos impostos socialmente como algo que era necessário conhecer para que te considerassem inteligente ou de maior valor social em relação aos outros, e fazer algum comentário mostrando conhecimento sobre ela era dar razão a essa valoração social vazia e sem sentido. Quando exigiram sua opinião, assumiu para N. que não enxergava nada além de cores fortes e formas estranhas no quadro, e voltou a sua atenção para a cerveja.

N., após os comentários de seus amigos, entrou em crise: eram concepções de arte muito diferentes umas das outras, que se chocavam diretamente e que, ao mesmo tempo, não eram excludentes. "Não é possível que seja tão difícil definir a arte", pensava de maneira compulsiva. Decidiu trancar-se no quarto para refletir, junto a uma garrafa de vinho e petiscos diversos. Acabou dormindo, bêbado, sem chegar a uma conclusão; deixou para pensar mais sobre o assunto para depois da ressaca, sabendo que provavelmente não chegaria a algum lugar tão cedo.

F. observou a reação exagerada do amigo depois de cinco opiniões, e tentou imaginar o que ele faria depois de ouvir as outras 17 pessoas da festa, e suas opiniões distintas a respeito do assunto. Suicídio ou a escolha de um hobby menos complicado e controverso foram as soluções que ocuparam a sua mente em primeiro lugar.
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Arte, arte...

Provavelmente, seis bilhões e quinhentos milhões de possíveis definições e apontamentos do que ela seja. Assunto extremamente controverso e de difícil definição; tão indefinido e incerto quanto a política, a filosofia e a qualidade do futebol carioca.

Esse blog tentará (especial atenção para o verbo escolhido, e o tempo no qual ele foi conjugado) fazer algumas indicações sobre o assunto, para limpar um pouco o meio de campo no qual ele se encontra. Isso tudo, é claro, mostrando alguns enfoques possíveis sobre esse negócio que tanto nos incomoda e nos encanta.

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