Forasteiros

Iñarritú, Bardem, Biutiful

Entre os destaques do lançamento do Festival de Cannes deste ano, estava o longa "Biutiful", do diretor Alejandro Gonzalez Iñarritú. Foi o primeiro filme que Iñarritu dirigiu depois de sua ótima parceria com o escritor Guillermo Arriaga que levou à trilogia "Amores Brutos", "21 Gramas" e "Babel". "Biutiful", título que remete à palavra inglesa beautiful, emocionou boa parte dos cinéfilos ao falar sobre uma Barcelona pobre e cerceada pela exploração à imigrantes.

Javier Bardem, muito elogiado pela crítica, faz o protagonista Uxbal, que jamais conheceu o pai, tem uma esposa problemática e cuida sozinho dos filhos. Para isso, "agencia" imigrantes ilegais - africanos e chineses.

Claro que, como a maioria dos brasileiros, ainda não tive a oportunidade de assistir ao longa, mas gostei de uma entrevista que li com o ator principal. Em uma das falas, o entrevistador pergunta algo como se não era estranho o artista ter participado como protagonista de dois filmes que mostram Barcelonas tão diferentes, referindo-se à pobreza de "Biutiful" e o glamour de "Vicky, Cristina e Barcelona", dirigido por Woody Allen. A ótima resposta do ator é a seguinte: "A Barcelona de Alejandro é a da corrupção e da exploração de imigrantes ilegais, sem a qual a Barcelona de Woody Allen não existiria. As duas realidades são interdependentes, dois lados de uma mesma moeda." Infelizmente o repórter, ou a edição da reportagem, mudou de assunto.

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Banksy e os Simpsons

No último domingo, foi ao ar, nos EUA, uma polêmica abertura dos Simpsons, dirigida e produzida pelo polêmico grafiteiro Banksy, a pedido dos prdutores da série. O casamento dessa espécie rara de anti-herói marginal com a Fox, gigante da produção cinematográfica, só poderia mesmo ser, no mínimo, problemática. A animação é desde o início interessante com alguns toques notáveis do artista, e radicaliza-se no final, quando a câmera se afasta da fotografia tradicional da família sentada ao sofá, que encerraria a abertura. Uma nova fúnebre trilha sonora se inicia e a imagem escurece. Chega-se a um lugar insalubre, com diversos trabalhadores semelhantes, imigrantes ilegais caracturais e tristonhos, em uma linha de montagem para a confecção de produtos da minissérie. Além disso, evidencia a matança e maus tratos de animais que, tristes, cedem à lógica do lugar feito escravos. Após a forte e torturante cena, a câmera afasta-se mais um pouco e percebe-se que aquilo tudo está ocorrendo dentro do alicerce do emblema da Fox, que por sua vez está dentro de uma televisão - no caso, da televisão de quem está assistindo ao programa. Dá a entender, assim, que o espectador, acostumado a rir com as peripécias de Hommer e companhia, assite também a uma empresa cujo interior é composto pelo submundo da exploração do trabalho imigrante e de mazelas sociais. Diz-se por aí que as notícias sobre terceirização de trabalhadores coreanos por parte da megaempresa teriam "inspirado" o artista.

Eu não esperava menos de Banksy e de sua arte diversas vezes posta à prova pela Indústria Cultural. Por outro lado, devo reconhecer que fui supreendido pela exibição sem cortes do polêmico trecho. Seria mesmo contraditório a série que tem como cerne o exagero dos costumes e problemas americanos censurar uma brincadeira consigo própria. Ainda que toda brincadeira tenha um fundinho de...Bom, vocês sabem...

(Fiquei imaginando a abertura de uma novela ou "reality show" brasileiro qualquer. A câmera se afastando da imensidão tecnológica dos estúdios e chegando às vilas existentes na periferia de SP, com trabalhadores coreanos, bolivianos e peruanos - superexplorados pela indústria têxtil. No escuro da fábrica, a confecção em massa de vestidos e figurinos para a emissora. Claro que nunca houve essa ligação, é só realismo fantástico de minha parte...)

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Tendo como ponto principal a questão da exploração de imigrantes, ferida aberta em boa parte dos países de "primeiro mundo", os casos de "Biutiful" e da abertura dos Simpsons demostram que é possível uma arte relativamente autônoma e contestadora desenvolver-se no seio da Indústria Cultural. Superando possíveis embates institucionais, tanto Biutiful fora ovacionado em Cannes, e deve concorrer a algumas estatuetas do Oscar, como a abertura dos Simpsons fora transmitida integralmente e é hoje um dos vídeos mais assistidos na web. Se é a fórmula mais eficiente e conceitualmente válida não sei, mas é uma boa maneira de equilibrar visibilidade, recursos e inovação - equação tão cara aos artistas de hoje. Não é preciso ser da periferia para ser marginal. Agindo nas brechas da corrente que tudo engloba, é possível fazer arte sem ser óbvio, simplista ou passivo.

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Misturas Relacionadas:
Nous Sommes Tous Des Immigrés - Por Caio Moretto
Quem é Banksy? - Por mim mesmo

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Ordem e Regresso.

Começou nesta terça-feira (21/o9) a aguardada Bienal Internacional de Arte de São Paulo 2010. Com o orçamento muito maior do que o de 2008, a ideia é que o "vazio" da edição anterior seja preenchido. Para isso, uma variedade de estilos e performances que abordarão a conturbada relação entre Arte e Política. Ironicamente, o episódio que agita as preliminares do início das exposições parece justamente exemplificar os emaranhados que envolvem o fazer arte/política em nosso país. O fato é que a OAB-SP ameaça lançar veto ao trabalho do artista plástico pernambucano Gil Vicente, que fez um autorretrato (abaixo) pra lá de provocativo, no qual o próprio artista está em posição de assassinar os dois últimos presidentes da república: FHC e Lula. Segundo a entidade, a imagem faz "apologia à violência".

Segundo o autor da polêmica, a ideia era "descarregar o inconsciente" e afirma ainda que sua lista possui outros nomes como o papa Bento 16, George W. Bush, a rainha Elizabeth e Ahmadinejad, presidente iraniano. Todos personagens que representam intimamente o poder. A organização da Bienal, acertadamente, fez questão de manter a exposição em lugar de destaque e espera que a OAB recue a violação contra a autonomia do artista.

O caso e o trabalho do artista nordestino me remeteu à fotógrafa inglesa Alison Jackson, autora do livro de fotografias "Confidential" (imagens abaixo, clique para ampliar). Seu trabalho, muito interessante, consiste em fotografias com contornos de voyeurismo, na qual personalidades famosas são retratadas, como se fossem "flagras" dos paparazzos. Obviamente que os modelos fotográficos são apenas sósias muito bem maquiados, porém a brincadeira com o escândalo e com a sociedade do espetáculo, na qual as celebridades, ou melhor, suas imagens detêm poder desproporcional, é divertidíssimo.

A sensação que temos ao observar essas fotos, é um choque de realidade. Como se a relação tão íntima e distante que temos com a imagem de cada celebridade ruísse e, agora, temos não mais um ícone idealizado, mas um imoral qualquer, de carne e osso, que participa de orgias, faz cocôs, maltrata crianças. Como se a imagem fosse um valor de troca, um componente do status quo.

Seja pela inglesa ou pelo pernambucano, ambos, de certo modo, vingando-se dos centros de status e poder, fica claro que, para a arte que contesta ou subverte a normalidade, independente do mérito de sua ação, é necessária relativa liberdade. Deve ser permitido que no imaginário, nosso e do artista, matemos presidentes, estraguemos celebridades ou pintemos paredes antes limpas. Como cada um recebe as balas - ora subjetivas, ora cruas - disparadas pela arte é outra história.

Independente de ser descrente ou entusiasta da arte de Gil Vicente como ação política (se é que há uma ação política), espero que o artista pernambucano vença a queda de braço institucional e, assim como Alison Jackson, possa expressar suas angústias com o exagero que lhe parecer necessário. Do contrário, caminharemos no sentido oposto, no caminho da arte adestrada, da arte boa-conduta, e, pior, da obviedade.

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Posts anteriores sobre a Bienal 2010:
Um Spray na mão e uma Bienal na cabeça.
Bienal 2010 - Política, Rua e Rebolation

Tags: Alison Jackson , Artes Plásticas , artes visuais , Bienal , Bienal 2010 , cultura brasileira , fotografia , Gil Vicente , Política , sociedade do espetáculo , sociologia , Thiago Aoki

Bienal 2010 - Política, Rua e Rebolation

Saiu, ontem, a lista de convocados para o evento que movimenta milhões e o Grafite está na lista. Poderia ser a seleção do Dunga, mas estou me referindo à Bienal 2010. Além da lista dos 148 artistas, os organizadores da Bienal afirmaram, em entrevista coletiva, que buscarão, neste ano eleitoral, uma exposição que possua olhar amplo para a política.

Prova disso é a confirmação da presença de pichadores, muitos deles idealizadores da fatídica intervenção no ano de 2008 - fato já analisado amplamente em postagem anterior. Como afirma o curador Agnelo Farias, "não tenho certeza se é arte ou não, mas certamente o trabalho deles é político". A organização também deixa claro que a presença dos pichadores se dará através de apresentações de seus trabalhos, por vídeos, fotografias, slideshows, afinal "não faria sentido convidá-los para pichar nem eles queriam ser cooptados pela instituição". Para este blogueiro, decisão mais que acertada, não só por da voz a novos atores culturais, como também por não fazer de gabinete uma expressão artística cujo cerne é o questionamento veementemente do "status quo" cultural.

Outro ponto alto da exposição deverá ser a homenagem ao aniversário de 30 anos da morte de Hélio Oiticica. Nada mais justo para uma Bienal que se proponha a falar sobre arte e política, intesecção tão bem feita pelo artista brasileiro, de referência internacional. Oiticica, que se considerava um anarquista, fazia questão de mostrar que a arte deveria extrapolar as paredes e chegar ao povo e às ruas. Neste sentido, levava consigo os famosos dizeres: "Seja Marginal, Seja Heroi". Com esse espírito, por exemplo, foi expulso do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, em 1965, por levar integrantes da Mangueira vestidos com "Parangolés" - isso mesmo, pasmem, o mesmo nome da banda que lançou o hit Rebolation. "Parangolé" fora uma invenção do artista plástico que consistia, nas palavras do Wikipedia, em "uma espécie de capa (bandeira, estandarte ou tenda) que só mostra plenamente seus tons, cores, formas, texturas, grafismos e os materiais com que é executado (tecido, borracha, tinta, papel, vidro, cola, plástico, corda, palha) a partir dos movimentos de alguém que o vista. Por isso, é considerado uma escultura móvel". Vale lembrar também que a ideia dos parangolés foi inspirada em panos usados por mendigos do Rio de Janeiro. Sim, Rebolation, além de bom bom bom, também é cultura.


Documentário de Ivan Cardoso, 1979

Fora os "Parangolés", outra figura marcante da obra de Oiticica são os "Penetráveis", labirintos nos quais o espectador, ao entrar, interage de modo sensorial, através de olfato, paladar, visão e audição. Mostrando que para além da relação unilateral de contemplação, o público deve ser ativo e interferir no desenrolar da obra cujo funcionamento depende da atitude do próprio público. Deste modo, Oiticica brinca com a inércia e conformismo das pessoas, que simplesmente aceita o que lhes é imposto.

Oiticica foi um dos inspiradores e integrantes do Movimento Neoconcreto e Tropicalista, o qual considerava a "primeiríssima tentativa consciente de impor uma imagem 'brasileira' ao contexto da vanguarda". Infelizmente, no final de 2009, um incêndio destruiu mais de duas mil obras do artista, cerca de 90% de seu acervo que se encontrava na casa de seu irmão.

Sobre o desafio de abordar a obra de Oiticica em uma exposição como a Bienal, Moacir dos Anjos, outro curador, afirma que “serão dois conjuntos. Um deles terá o pensamento de Hélio sobre o que é ser herói, o que é ser marginal e seus ecos na arte de hoje. O outro recorte trará os projetos de utopia e distopia do artista, que serão vistos lado a lado de projetos do mesmo teor de agrupamentos como o Archigram [grupo de arquitetos britânicos utópicos, formado nos anos 60] e o Superstudio [grupo de arquitetos italianos utópicos, formado nos anos 60]”.

De qualquer modo, embora não saibamos o resultado de tudo isso, a Bienal 2010 -, que conseguiu multiplicar seus recursos de R$8 milhões (2008) para R$30 milhões (2010) devido à "adesão da sociedade" (leia-se: dinheiro dos empresários) - indica, nas suas preliminares, que certamente não será conhecida como Bienal do vazio. Melhor ainda, não só incorpora ao seu enredo novos "conceitos", mas principalmente novas práticas artísticas. Práticas essas que inclusive, metalinguisticamente, questionam a própria tradição da exposição. Junto com os pichadores, Oiticica invade a Bienal e picha em suas paredes, com letras garrafais e indefinidas, outra de suas frases favoritas, título de um de seus manifestos sobre o lugar da arte: "O Museu É o Mundo".

Tags: Arte de Rua , Artes Plásticas , artes visuais , Bienal 2010 , Eventos , grafite , Hélio Oiticica , Museu , Parangolé , Pichação , Política , Thiago Aoki

Andy Warhol I - Os dois lados da moeda

Por que parece certo dizer que Jota Quest é pop, mas o samba é popular (ao menos comparativamente)? O pop parece esconder um lado comercial, com um que de arte feita para o consumo.

Entre o diretor de arte e o artista, a publicidade e a arte, onde está Andy Warhol? Sua obra é uma crítica à sociedade de consumo ou é uma arte feita para ser consumida? É arte?

Há fumaça, mas reluz.

Engels observou que as nações possuem a classe dominante que merecem, e o mesmo é válido para Warhol, que devolvia à sociedade americana sua imagem refletida em toda sua glória fraturada.

A observação é de Philip Larratt-Smith, curador da exposição Andy Warhol – Mr. América, em entrevista consedida à Gisele Kato, da BRAVO!.

Warhol é a arte que evidencia o culto à marca e à fama.

Há fogo, mas não é ouro.

Warhol é também a busca desespero pela fama e pela criação de sua marca pessoal, o nome Andy Warhol.

Silk screen Most wanted men (homens mais procurados) ao lado da Print Screen do site da Interpol, que adicionou recentemente Paulo Maluf à lista de homens procurados.

A declaração de Andy à respeito da série Most Wanted Men é muito boa. Não anotei as palavras exatas, que estão expostas ao lado da peça no Mr. America, mas a mensagem era: eles venceram. Não importa se são criminosos. Eles conquistaram a fama e é melhor ser um criminoso bem sucedido do que ser ninguém.

Os dois lados da moeda

A sabedoria popular parece ter os dois lados da moeda, de forma que sempre haverá um ditado para negar o anterior.

Quando pensamos assim o conselho fica tão pessoal quanto popular. Os ditados viram uma linguagem por meio da qual nos expressamos.

A arte é pessoal e subjetiva, mas nunca é alheia ao contexto em que foi feita.

Mas o pop não é o popular.

O popular são os dois lados, a dialética e a constradição.

O pop é a moeda.

Tags: Andy Warhol , arte , Artes Plásticas , artes visuais , Caio Moretto , campo artístico , Indústria Cultural

Andy Warhol II – O Papa do Pop

A possível convergência das mídias, a impossibilidade da independência artística e outros temas correlatos estão cada vez mais em pauta. O lado do artista fazendo publicidade e do status de arte sendo atribuído à peças publicitárias não é novidade. Depois dos cartazes de Toulouse Lautrec, Warhol talvez seja o maior exemplo de publicidade reconhecida como arte. O que vemos hoje parece a evolução dessa mistura. Filmes como Náufrago e Amor Sem Escalas, que apesar da qualidade incontestável, parecem propagandas em longa metragem. E pagamos para ver essa publicidade, afinal ela também é entretenimento e, quiçá, arte.

Como publicitário, preciso dizer: apesar de toda dessa mistura indigesta entre o artistico e o comercial é muito difícil chegar perto de algo parecido com a liberdade artística em publicidade. Porque em última instância é preciso vender, seja uma imagem, seja um produto. E é preciso vender com eficiência e resultados mensuráveis. A arte do publicitário é dar soluções criativas para problemas empresariais. A do artista, teoricamente, não. Ele pode procurar soluções criativas para problemas subjetivos, seja de nossa sociedade ou de suas inquietações pessoais, ou pode simplesmente apresentar novos problemas e perguntas.

Antes que o fio condutor se perca em desabafo, vamos voltar para o Andy. A constatação é simples. Ele era procurado para criar. E a marca Andy Warhol foi tão bem elaborada, que, mesmo quando havia um contrato e um fim comercial por parte do contratante, ele não tinha a obrigação de apresentar soluções para a marca, para o produto ou para o marketing do produto. Ele precisa fazer sua arte e apresentar apenas soluções estéticas, praticamente sem restrições.

Sempre achei muito difícil ver Warhol como arte, mas também tenho achado que não dá para jogá-lo para o outro lado.

A simplificação reduz demais a complexidade desse fenômeno que foi Andy Warhol, mas não deixa de ser interessante reparar nas classificações que o apontam ora como o mais vendido dos artistas, ora o mais livre dos publicitários.

Essa carta de Mick Jagger para Warholjá circula pela internet há algum tempo e é um ótimo exemplo desta situação.

Querido Andy,
Estou muito feliz pelo fato de você poder fazer a arte do nosso novo álbum de hits. Aqui vão duas caixas de material que pode ser usado, e o álbum.
Na minha curta experiência, quanto mais complicado o formato do álbum, por exemplo, mais complexo do que páginas ou um encarte dobrado, pior é a produção e mais agoniantes os atrasos. Dito isso, deixo em suas mãos capazes a permissão de fazer o que quiser… e por favor, escreva de volta para dizer quanto dinheiro você quer.
Sem dúvida o Sr. Al Steckler vai contatá-lo em Nova York com mais informações. Ele provavelmente vai parecer nervoso e dizer pra você se apressar, mas não dê bola.
Com amor,
Mick Jagger

(via ideiafixa)

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Morte, fama e consumo. Os três temas constantes das obras de Wahrol parecem estar ligados de muitas maneiras em sua obra, em sua vida e na sociedade que vivemos.

Na exposição que passa pelo Brasil vemos, na descrição das cadeiras elétricas uma citação de Andy, na qual ele revela que a repetição acaba com o significado.

 

 

 

 

 

As figuras de Che ou de Bob Marley estampada nas camisetas parece um bom exemplo.

Ao contrário do que possa parecer, essa silk-screen de Che Guevara não é de Andy, mas de Gerard Malanga.

I don't know how that affects the arts world. Art has become commerce. Big Business. Andy would love that.

Tradução livre: “Eu não sei como isso afeta o mundo das artes. Arte se tornou comércio. Grandes negócios. Andy teria adorado isso.” (link para a íntegra)

O site http://www.warholstars.org tem um impressionante acervo de artigos e links sobre Warhol. Passeando por lá encontrei essa divertidíssima história de Malanga, que teria vendido essa peça como sendo autêntica de Andy. Desconfiado, o negociante escrevera à Warhol solicitando a confirmação e dizendo que o poeta (Malanga) seria pego no “estilo italiano” e mandado para a cadeia caso estivesse mentindo. Warhol garantiu a autoria para defender o amigo mas acrescentou que todo o dinheiro deveria ser enviado diretamente para ele diretamente já que “Mr. Malanga was not authorized to sell the artwork” (Sr.Malanga não era autorizado à vender as obras de arte).

Após o primeiro incidente, Andy ficaria desconfiado que outras falsificações teriam sido feitas e vendidas por Malanga como pode ser lido em trechos de seus diários e outros depoimentos. Entre as falsificações haveria, inclusive, uma Eletric Chair, como as que acabamos de ver acima. (link)

Afogando na própria sopa

As capas da Esquire por George Lois são sensacionais. Famosas por suas montagens e pela forma irreverente de desconstruir as celebridades, elas se tornaram um marco na história da edição de revistas. Provavelmente voltarei a fazer um post apenas sobre Lois, mas não poderia deixar de apresentar aos que não conhecem essa fantástica capa em que Andy Warhol afoga-se na sua própria sopa Campbell. Selecionei alguens trechos de depoimentos de George Lois sobre esta capa e sobre Warhol que encontrei na rede.

“This was hot shit. The article was basically a caustic review about what was going on in the arts in America at the time, and without even reading it, I knew I wanted Andy Warhol drowning in his own soup. I just had the image in my head. And I called him, and said, ‘Andy I want you on the cover ofEsquire.’ And he said, ‘Wait a minute, George, you always have an idea on the cover, what’s the idea?’ And I told him, and he said, ‘I love it!’ When Andy saw it, he lost his mind. He kept saying he wanted to trade me for the original art, he’d give me some Brillo boxes, a Campbell Soup painting. He was after me a month before he died, he was still trying to trade me. I told him I don’t want to trade, ‘cause someday that’s going to hang in the MoMA.' And he said, ‘Oh, I’d love to see it there! Me hanging in the Museum of Modern Art!’ Which is so funny, because now there’s twenty goddamn Warhols in the Museum of Modern Art.”

"Isso era quente. O artigo era basicamente uma revisão candente sobre o que estava acontecendo nas artes nos Estados Unidos na época, e sem sequer ter lido, eu sabia que queria Andy Warhol afogando em sua própria sopa. Eu tinha apenas a imagem na minha cabeça. E eu o chamei e disse: Andy, eu quero você na capa da Esquire. E ele disse: Espere um minuto, George, você tem sempre uma idéia para a tampa, qual é a idéia? E eu disse a ele, e Ele disse, Eu adorei. Quando Andy viu, ele perdeu a cabeça. Ele continuou dizendo que queria negociar comigo pela arte original, ele ia me dar algumas de suas caixas da Brillo, a pintura da Campbell Soup. Ele estava atrás de mim, um mês antes de morrer, ele ainda estava tentando negociar comigo. Eu lhe disse que não queria negociar, porque um dia isto estará pendurado nas paredes do MoMA. E ele disse: Oh,  eu adoraria vê-lo lá! Eu pendurado no Museu de Arte Moderna! Que é tão engraçado, porque agora há vinte Warhols maldita no Museu de Arte Moderna.”

Traduzi também livremente dois trechos desta outra declaração de George Lois (ao lado) sobre Andy.

O símbolo que permeava todo o movimento Pop Art daquela época era a lata de sopa Campbell, de Warhol. Eu nunca consegui enxergar a Pop Art como um movimento sério.

Não há dúvidas, no entanto, que Warhol era um showman da primeira divisão. Qualquer cara que consegue transformar uma lata de sopa em celebridade pode não encaixar na minha definição de artista, mas é certamente algo quente. 

 

As histórias acerca de Andy Warhol parecem inesgotáveis. Caso tenha despertado em você uma curiosidade de saber mais sobre a vida e a obra de Andy Warhol visite a exposição Andy Warhol - Mr. América, na Estação Pinacoteca e não deixe de procurar as as histórias do Factory (eu começaria por aqui), de Nico e a banda The Velvet Underground e de Valerie Solanas, que tentou matar Andy Warhol.

 

Afinal o que é Rock’n Roll, os óculos do John o olhar do Paul?

Finalizamos com essa ótima foto, que talvez até fosse realmente rara (como dizem outros blos) antes antes de cair na rede. Nela vemos Yoko Ono e os dois papas do pop Andy Warhol e John Lennon, ambos vítimas de tiros à queima roupa.

O pop não poupa ninguém.

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Um spray na mão e uma Bienal na cabeça

Em um dos meus primeiros posts por aqui, ainda tímido, tentei mostrar o movimento da Indústria Cultural sobre o Rap e Grafite, artes, em geral, vinculadas à contestação social. Durante essa semana, Monica Bergamo, em sua coluna da Folha de São Paulo, anunciou novo episódio dentro dessa cena artística cuja estética associa-se à periferia brasileira. O informe dado pela colunista é de que dois dos pichadores que realizaram intervenção na Bienal de 2008 foram convidados a participar, desta vez como artistas, da Bienal 2010.

Para quem não se lembra, um dos andares da Bienal de 2008 ficou sem exposição alguma. O espaço - intitulado pela organização como "Em Vivo Contato", mas que ficou conhecido como "Bienal do Vazio" - tinha como proposta, segundo os próprios organizadores, a reflexão acerca das formas de arte. Pois bem, a provocação deu resultado. Primeiro, ainda antes da inauguração, o grupoArac fez a primeira intervenção não-autorizada com "stickers" dos mais diversos, mostrando o passo-a-passo da ação no blog Bien-Mal 2008. Por fim, dias depois aconteceu a ocupação do prédio por pichadores das mais diversas correntes e logo se puseram a expressar no mais vivo contato, através de muita tinta e correria. À época, o posicionamento da Bienal não fora tão amistoso como o desta semana. Pichadores e seguranças entraram em conflito e uma das pichadoras, a gaúcha Caroline Pivetta da Mota, acabou presa e condenada, o que causou revolta até mesmo entre alguns artistas convidados.

Voltando aos dias de hoje, o anúncio de Bergamo é de que o pichador considerado líder da intervenção de 2008, Rafael Guedes Augustaitiz e Djan, outro pichador, serão atrações oficiais da edição 2010. Além daquele episódio, Rafael ficou conhecido por apresentar, como TCC, um ataque de pichação à própria Faculdade Belas Artes e também por liderar pichações à Galeria Choque Cultural, em São Paulo. É também atribuido ao seu grupo, a pichação de um famoso grafite d'Osgemeos, ícones reconhecidos internacionalmente, com os seguintes dizeres: "Cidade em Calamidade - R$200.000,00", em referência ao valor pago pela prefeitura paulistana aos artistas por aquele grafite.

Seria fácil, de trás do computador criticar os pichadores convidados ou pensar que seria mero oportunismo por parte dos organizadores. No entanto, posso me demonstrar satisfeito pelo fato de que um dos líderes dos pichadores participar do evento significa passar por cima do comunicado - esse sim, completamente retrógrado - que a organização soltou em 2008, após remover as pichações e reforçar a segurança. O documento concluia-se com os seguintes dizeres: "O vandalismo causado pela atitude autoritária e agressiva desses jovens representa uma ameaça à constituição de um espaço público coletivo, que respeite a integridade de cada cidadão e o patrimônio material e simbólico de nossa cultura".

Pensar no espaço público como composto por sujeitos passivos e contemplativos contraria inclusive a própria ideia do espaço vazio, ou da mostra intitulada como "Em vivo contato". Naquele ano, questionou-se se a intervenção realizada poderia ser considerada uma expressão artística ou apenas um ato de vandalismo. Em longa entrevista, Carol Pivetta, ainda presa, disse que "tanto grafite quanto picho são underground, coisa do fundão. A parada que eu faço é na rua, pro povo olhar e não gostar. Uma agressão visual". Fugindo do maniqueísmo datenístico de buscar herois ou vilões, os hieroglifos quase intraduzíveis pichados pelas paredes do andar nulo do prédio arquitetado por Oscar Niemeyer trouxe consigo outros incômodos questionamentos: "quem diz o que pode ser considerado arte?"/"existe espaço propício para arte?"/"a arte deve ser contemplativa?". Se a ideia era preparar o espaço para se discutir a arte, a ação dos pichadores deveria ter sido considerada argumentos que colocam o dedo na ferida dos campos artísticos hegemônicos. Entretanto aquele comunicado, bem como a imediata restauração do prédio, fez com os mandachuvas da Bienal perdessem a oportunidade de avançar a discussão extremamente relevante sobre Arte e, num sentido contrário, ainda utilizaram de um legalismo purista para desqualificar, com acusações pessoais de caráter moral, as ações organizadas coletivamente pelos grupos de pichadores.

A Bienal 2010 pode estar tentando corrigir esse caminho, voltando a pensar as novas formas artísticas, por vezes marginalizadas, mas isso dependerá de quão autônoma será a intervenção dos, finalmente reconhecidos, artistas-pichadores. A incorporação dos pichadores ao evento, para além de uma tentativa de trégua após algumas ameaças de novas intervenções, indica um reconhecimento dos pichadores como sujeitos de uma cena artística, ainda que marginalizada. Entretanto, tal fato também abre brechas para um movimento de apropriação da Indústria Cultural sobre a crua contestação.

É pagar pra ver.

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